cantalicia

Intenso intento

2012-02-05T17:08:00.002-05:00

Tratar de retener la imagen de un cuerpo o de un rostro se queda muchas veces solo en el intento. Nuestros caprichos empiezan a cambiar los rasgos, las formas, los gestos. Por más cercano que sea el sujeto, el ejercicio se queda en un intenso intento de tener cerquita al lejano, mientras se reconoce contra la voluntad su ausencia. No en vano, nos detenemos aunque queramos disimularlo ante vidrieras y espejos: necesitamos saber que estamos y cómo estamos, que no somos un sueño de otro ni el propio.

Cuando dibujaba, Oscar Muñoz parecía querer revivir la escena, congelarla en gran formato con un impresionante dominio de la técnica, para traer al presente los vecinos que ya no son y el momento que hace tiempo se fue volando. Con la exploración en la técnica de la impresión fotográfica y el video parece producir el efecto de la imagen en los sueños; creemos retener un rostro, saber a quien le pertenece, cuando sobre él ya se superpuso otro, creemos aprisionarlo en la memoria, cuando en realidad se escapa como agua por un sifón.

A propósito de la muestra Protografías del artista colombiano Oscar Muñoz, curada por José Roca y María Wills y abierta al público en el Museo de Arte del Banco de la República hasta marzo 12 de 2012.

la última aguja: un corrido mexicano

2012-01-22T14:00:00.003-05:00

Hace nueve años empecé a experimentar la cura en un tratamiento de acupuntura. Un día me levanté tiesa, hasta el punto de presentir la ausencia de movimiento en mi cuerpo y el despertar de una autómata dentro. Encuentro tras encuentro con mi médico vi cómo marcaba los puntos y cómo en cada uno de ellos ponía una delgadísima aguja que no sentía a través de mi piel, a pesar de su profundo efecto.

Hace diez años el artista mexicano Fernando Llanos empezó a usar la definición de esta técnica de medicina tradicional china valiéndose de la figura de salvador más occidental de todas para hacerle acupuntura al espacio urbano, un súper heroe: Videoman.
Desde la semana pasada en Madrid Abierto tiene lugar el Encuentro que reúne la colección de las 65 intervenciones artísticas que le han dado vida desde 2004, y el 9 de febrero Llanos está invitado al selecto grupo para presentar La muerte de Videomán, el primer súper 16 del artista mexicano, videoclip de un corrido logrado en colaboración con el cineasta Gregorio Rocha y trabajo con el que da fin a una etapa de su obra en la que pudo comprobar, al igual que yo, los efectos de la acupuntura.

Transformarse es poder moverse como caucho, urgar en los puntos claves para recuperar la flexibilidad natural; respirar y sentir que cada partícula del cuerpo se activa y está lista para vivir los cambios que renuevan. Desde Bogotá, adiós Videomán y con Llanos repito: "A reinventarse se ha dicho!"

sin dios ni ley

2012-01-02T18:08:00.003-05:00

En una de las fotos Alvaro Forero se limpia las uñas mientras la habitación que ocupa es comida por el moho y el olor no alcanza a salir por la ventana aunque esté abierta. La pulcritud del protagonista deja ver la dignidad que no le ha permitido dejar la lucha, aunque esta sea ignorada por un país con carrilera pero sin trenes.

Cada una de las veintidós fotos de la muestra es una escena congelada como la situación del entorno que la inspira: el Hospital San Juan de Dios de Bogotá. En ellas Nicolás Van Hemelryck comparte su mirada alrededor de un tema que después de cada escándalo mediático queda olvidado como parte de nuestra historia; el abandono de la salud como prioridad, y en el caso concreto de esta institución médica, un pendiente hace diecinueve años sin dios ni ley.

Quedan nueve días para visitar la exposición de la obra ganadora del Premio Colombo Suizo de Fotografía 2011 en el Teatro Mayor Julio Mario Santodomingo de Bogotá, dejarse llevar por el ojo de Van Hemelryck y comprender la situación histórica del que fuera un día el centro hospitalario más importante del país y de sus habitantes negados a abandonar el cargo.

Bienvenida

2011-12-26T12:24:00.001-05:00

Si recibimos el año que llega convencidos del fin del mundo, probablemente hagamos más rápido lo que no nos hemos atrevido o hemos aplazado, seamos lo que no hemos sido y habitemos la tierra como si cada segundo fuera la última vez.

Despido el 2011 marcando con una X en su calendario el 11- 11- 11, One day on earth, en el que habitantes de toda la tierra registraron con sus cámaras los acontecimientos que sorprendieron sus ojos, para un documental colaborativo de 120 minutos que recorre el mundo durante las veinticuatro horas de la fecha llena de unos. Una de las miradas colombianas que hace parte de este proyecto mediático, es la de Camilo Aldana que se detuvo arriba y abajo del puente peatonal que cruza la Autopista Norte en la calle 90 de Bogotá justo al atardecer. Mientras esperaba a una amiga en ese punto de la ciudad, encontró que lo que pasaba era más que los carros que iban y venían, los cuerpos que se rozaban y una que otra mirada que se encontraba o desencontraba.

A una cuadra de donde esperaba Camilo, celebraba con todas mis fuerzas la vida que espero seguir disfrutando como si sólo fuera sólo un día en la tierra, gastando tacón, mejor rodeada y mejor acompañada. Bienvenido 2012.

Es por lo que pasan todas las mamás, pero hoy me está pasando a mi.

2011-12-05T16:30:00.003-05:00

Que tener un hijo es una bendición y lo más grande que le puede pasar a una mujer es la conclusión generalizada. Por esta máxima, opinar lo contrario, realizarse como mujer sin tener hijos o decidir no tenerlos, pone en cuestión uno de los roles que generación tras generación supone pertenecer al género femenino. Vivir en un país como Colombia no siempre garantiza las mejores condiciones para dar a luz o nacer, como tampoco las particularidades de ese momento en la vida de cada mujer (definitivo en la de sus hijos). Hace un mes ví Nacer, el último documental de Jorge Caballero y hace algunas semanas viví en carne propia la experiencia del parto. Tengo la fortuna de recordarla maravillosa y decir que no pudo ser en mejores condiciones. Desde entonces tengo más vivas en mí las circunstancias de las siete mamás de la película y confirmo una vez más que la condición más importante que nos debe animar a dar vida y a cuidar de ella es la confianza, que como lo escribió tan hermoso el biólogo Maturana refiriéndose al momento definitivo en la vida de esos siete hijos y del mío, "se trata de que el bebé pueda nacer en la confianza implícita de que hay una mamá, un papá, un entorno que lo va a acoger con todas sus estructuras y características de su dinámica fisiológica que implican ese mundo acogedor".

A continuación transcribo la conversación con Jorge Caballero, un documentalista que en cada uno de sus trabajos vuelve la mirada a su patria para dejar en sus espectadores las preguntas que lo motivaron a emprenderlos:

C.L.B. Después de Bagatela ¿qué motivó Nacer?

J.C. Cuando terminé Bagatela tuve un tiempo de crisis recuperándome de la producción, tratando de adecuarme a nuevas realidades personales y profesionales, entonces empecé a indagar en mi pasado, en el legado de mi familia, de mi país; cuestionándome por qué me costaban tanto ciertas cosas o por qué me resultaban innatas otras. En ese ir y venir de pensamientos pensé en mi nacimiento, en los pocos momentos que recuerdo de mi niñez y en cómo, de alguna manera estaba condicionada mi vida por el sitio donde nací, por las paredes, el trato, la luz... y se me ocurrió NACER. Al año de pensar en la película, Nuria, mi compañera, quedó embarazada de mi pequeña Carla, entonces la película cambió radicalmente y se volvió un espejo de mi vida y casi una preparación para mi paternidad.

C.L.B. Ya trabajas en Morir, tu próximo documental, ¿qué ha significado para tí confrontar en tan poco tiempo los procesos de dar la bienvenida y la despedida a la vida grabando en tu país de origen y crianza?

J.C. Estoy trabajando en MORIR. De momento en la investigación. Siempre planteé este proyecto como una película doble donde examinaba el entorno institucional en el NACER y el MORIR; cómo aparte de la familia, el estado asume la llegada y despedida de sus nuevos ciudadanos. Estamos empezando, aunque tengo ligeras intuiciones de cómo será el fin, aún es pronto para saber cómo nos vamos a enfrentar al proceso de la muerte en un registro cinematográfico.

C.L.B. Respecto a Nacer ¿qué fue lo que más te dolió y que es lo que más ha justificado el dolor de dar a luz?

J.C. Lo más difícil fue enfrentarse a la impotencia del que acompaña, no poder hacer nada salvo eso, acompañar. Estuvimos más de tres meses rodando casi a diario, así que tuvimos la suerte de conocer mejor a algunas de las mamás y conocer sus historias, y es difícil saber que sólo estarás allí acompañando, ayudando en lo que puedas y nada más. Después de un año largo de haber acabado el rodaje, tenemos contacto con algunas y tengo la misma sensación de impotencia.

Las mamás nos prestaron un trozo de intimidad, pudimos compartir un momento esencial de cada una de ellas, sólo por esto tuvo sentido la película.

C.L.B. ¿Cómo encontraste en la animación la forma de dividir los capítulos?

J.C. La animación siempre ha sido mi pasión, he desarrollado varios trabajos ilustrados en animación y siempre me sorprende la poesía que se desprende del trazo, lo que evoca la ilustración, y luego, la figura animada; una especie de magia. Para mi esos intermedios tenian que hacer parte de un mundo personal, evocando algo que no era tan directo y certero como la realidad y sobretodo, que no podía tener el mismo tratamiento que la realidad, por eso opté por la animación para separar los capítulos.

C.L.B. ¿Cómo fue el trato con las mujeres que grabaste, ya vieron el material, qué dicen?

J.C. El trato con las mujeres fue bastante cercano, estuvimos cuatro meses antes de empezar el rodaje yendo a los cursos sicoprofilácticos, hablando con ellas, explicando bien el proyecto. Había mucho miedo a lo que pudiéramos enseñar, pero superada esta primera preocupación, nos sorprendieron las ganas de muchas mujeres por ver su propio parto. Ya vieron el material, a cada una de las participantes se les dió aparte de la película una edición de su propio parto. Bien, creo que bastante bien en general.

C.L.B. ¿Dada la difícil situación del sector de la salud, pusieron resistencia las clínicas o médicos para dejarte fluir con cámaras dentro de sus espacios?

J.C. Si, fue difícil entrar en los hospitales. Fue un grueso importante de la producción, muchos trámites burocráticos y algún trato desagradable. En muchos hospitales tuvimos negativas. El rodaje se realizó en cinco hospitales, varios de ellos tenían restricciones fuertes de horarios y espacios. Sin embargo, por esas cuestiones documentales los hospitales donde tuvimos más confianza y donde las mamás se sentían mejor siendo registradas no pusieron restricción alguna e incluso nos ayudaron a difundir el proyecto.

Justo ahora estamos en una exposición virtual en el iMOW (internationa Museum of Woman) con extracto de al peli:

http://www.imow.org/yourvoicesonmotherhood/birthjournal/

Tabakito de maíz

2011-11-02T08:53:00.004-05:00

Es noviembre 2, día de los muertos, fiesta de cumpleaños de mi amiga Copo y fecha de lanzamiento del video Tabakito de maíz, la nueva canción de Héctor Buitrago y producto de sus encuentros personales en torno a las raíces ancestrales y culturales en esta época con tendencia a normalizar empaques y contenidos (incluyendo seres vivos).

Mientras oigo la canción vuelvo y pienso en tantos empaques novedosos y tradicionales de diversos materiales que prometen en letras chiquiticas biodegradarse. Nos veo sentados a la mesa sirviéndonos de frasquitos y cajitas comidas de colores y sabores que llenan, nutren y dejan las ganas de más. En la minúscula tipografía enuncian ingredientes repetidos y mientras conservan por más tiempo el contenido siguen siendo camuflaje de esos procesos que nos permiten descubrir por nosotros mismos de dónde viene, qué es y los poderes de eso que comemos y tomamos. Abrimos un paquete de plástico fantástico con arepas precocidas y obviamos la historia y el proceso de su principal ingrediente, acto seguido nos las comemos calientes.

Este día de los muertos celebramos el proceso: el de sembrar para cosechar, el de cuidar para madurar sanos, el de madurar para aprender y el de aprender para que el disfrute de uno sea el disfrute de muchos y llegar a morir felices, ser buen abono de otras vidas, ceniza alegre que siga moliendo maíz.

De su nuevo trabajo musical Héctor nos cuenta: "La canción Tabakito de maíz de Conector II, nace de la colaboración con tres chicas parte del Colectivo de Activistas Chicanas IN LAK ECH, quienes visitaron Bogotá en 2009 invitadas por el Instituto Hemisférico de Performance y Política a un encuentro en la Universidad Nacional de Colombia. Ellas a partir de su trabajo y exploración con tradiciones indígenas de América, improvisaron cantos y poesías en varias piezas instrumentales que tenían compuestas con antelación. Las temáticas abordadas fueron los derechos de la mujer, la identidad, lo ancestral y el maíz. A partir de esas improvisaciones fui realizando un largo trabajo de edición y diseño sonoro del cual surgieron tres canciones que hacen parte del disco Conector II que finalmente se edita este noviembre.

La intención sónica/ energetica de Tabakito de maíz es evocar ceremonias, rituales, cantos, mitos de creación y voces ancestrales. Los sonidos de la electrónica contemporánea y la participación del músico colombiano Samuel Alfonso en los cantos guturales de Mongolia, profundizan la experiencia que he rotulado Cosmikancestral. La pieza se estrenó el pasado 12 de octubre para encontrar en esa fecha espacios de reflexión y memoria como herederos de una espiritualidad y una cultura rica y poderosa que continúa viva en América y para que esta información nos permita un proceso de desconolización de nuestra mente y nuestro corazón.

sólo un domingo de estreno

2011-10-20T08:48:00.004-05:00

La noticia la recibí en la mañana del domingo pasado justo después de poner la ropa blanca en la lavadora.
Los viejos amigos de Yo Reinaré Producciones decidieron hacer estreno dominical de veinticuatro horas del cortometraje que bautizaron con el séptimo día de la semana, y al que no dudé en darle play, porque desde que los conocí hace años, ví detrás de cámaras que amaban lo que hacían meticulosamente, más tarde lo comprobé viendo Curso 29, el documental de Juan Mauricio Piñeros y este fin de semana con su Domingo de estreno.
En una estrategia de lanzamiento en la que estuvimos de buenas quienes lo vimos, este equipo audiovisual supo aprovechar bien el impacto que causa la impecable factura de una producción audiovisual de ficción basada en una sencilla y vital temática para todos los días, y que no voy a tratar de contar para que ojalá sorprenda pronto en las salas de cine antes de la película elegida.
Apenas terminaron los créditos le mandé mis preguntas a su director Juan Manuel Ortiz, hoy les comparto sus respuestas:

C.L.B. ¿Cómo, cuándo y a quién se le disparó la idea de Domingo y cuánto duró el proceso desde que eso pasó a su lanzamiento en línea este 16 de octubre?
J.M.O. Domingo nació como una idea de Juan Manuel Ortiz, pero poco a poco se convirtió en un reto y en la posibilidad de hacer algo chévere. Rodamos en navidad del año pasado y luego trabajamos intermitentemente estos meses. Lo hicimos de forma colaborativa con mucha gente que nos ayudó (sobre todo a pintar!) entonces no tuvimos que recurrir a una tropa enorme de especialistas o requerir de un abultado presupuesto. El gran reto consistió en demostrarnos a nosotros mismos que se pueden hacer muchas cosas sin necesitar una cantidad enorme de recursos tanto materiales como humanos. Y es que en últimas el corto habla sobre el manejo, a veces absurdo, que le damos a nuestros recursos naturales.

C.L.B. Escogieron un domingo para lanzar este cortometraje por internet, por qué tomaron esta decisión y qué camino van a seguir para su difusión?
J.M.O. Decidimos hacer un estreno relámpago en internet porque nos interesa compartirlo con muchas personas y explotar un canal de distribución totalmente independiente en el que la relación realizador- espectador es más directa, palpable y mesurable. Ahora la idea es que el corto tenga acceso a otros escenarios como algunos festivales temáticos o salas de cine.

C.L.B. ¿Cuánto se tardaron para la puesta en escena sobretodo alistando el arte y la fotografía y cuáles fueron los retos más grandes que tuvieron que superar para lograr tremenda blancura?
J.M.O. No fue fácil, el equipo de arte y el de producción tuvo que conseguir en muy poco tiempo una gran cantidad de cosas para ambientar los sets y posteriormente pintarlas. Ya en grabación la dificultad consistía en pintar a los actores, lo cual era eterno. En cuanto a la fotografía, sobra mencionar la dificultad sólo para exponer sobre algo blanco, así que tanto el fotógrafo como sus asistentes se esforzaron mucho para lograr mantener el concepto del corto manejando elementos diferentes a los de la fotografía de un cortometraje más natural.

C.L.B. ¿Por qué domingo y no otro día de la semana?
J.M.O. Se llama Domingo y lo mostramos en domingo porque la idea era invitar a la gente a dejar de lado sus labores domésticas, como lavar el carro con el equipo a todo volúmen, y que cada uno empiece a evaluar si es el mejor uso que le podemos dar a los recursos con los que contamos.

En Chapinero un despiadado bosque se anima

2011-09-29T09:06:00.002-05:00

Mientras los habitantes de Bogotá decidimos aterrizar conscientes a una de sus mayores crisis administrativas y físicas, Intel y la Universidad de los Andes con un equipo de trabajo estrella coordinado por Carmen Gil y Jaime Martínez activan Electrópolis este viernes 30 desde las 7 de la noche, con propuestas artísticas basadas en las nuevas tecnologías, que muestran diferentes puntos de vista sobre la ciudad. Las intenciones del evento son atrevidas y salen del espacio privado a una plaza tradicional y central de Bogotá, no en vano presidida por una iglesia gótica en restauración. Promete ser una contundente celebración del espacio público del 2011 y la invitación a recordar a sus propietarios las infinitas posibilidades de actuar en él.
Uno de los seis artistas seleccionados es Angélica Teuta quien sobre su obra nos cuenta:

C.L.B. ¿Qué motiva tu participación en Electrópolis y cuál es el reto que para ti representa hacer parte de una muestra en el espacio público de Bogotá?

A.T. Mi motivación y reto es el formato, la técnica, el trabajo en equipo y el poco tiempo con el que he contado para desarrollar un trabajo de tamaña magnitud. He tenido que explorar mi obra con otros estándares y sacar de ella otro aspecto que no había explorado: la animación digital sin dejar de usar recursos básicos como el dibujo, el collage, el diorama o el teatro de sombras.

C.L.B. ¿Cómo nació la idea de tu obra El fin del mundo y un despiadado bosque, tecnicamente cómo la desarrollaste y cómo la visualizaste en su escenario final?
A.T. El fin del mundo y un bosque despiadado empieza para darle continuidad a mi obra de este año: Escenas para evitar las pesadillas, que aunque es un proyecto de instalacion en el espacio y cortes de papel, es el resultado de una investigación de imágenes simbólicas y arquetípicas acerca de los sueños, para recrear un bosque despiadado que está invadido por más de veinte escenas animadas. Este mosaico de bosque decidí combinarlo con un nuevo escenario debido a la temática que Carmen Gil planteó para Electrópolis, la ciudad. Este escenario es el principio de nuestra animación, una ciudad utópica dibujada a partir de edificios simbólicos del siglo XX, que crece por su ambición y caerá por el precio de su propia simbología. Este fin del mundo es BABEL el proyecto de Camilo Bojacá, mi artista invitado para este laboratorio que cuenta con nueve personas. Recibí valiosa asesoría y desarrollo de las animaciones de Tomás Silva, Fernando Zuluaga, Alvaro Alvarez y Sergio Paez; Esteban Rivera se encargó del audio, Mosa Visual de conseguir sonidos e imágenes de archivo y Liliana Caycedo de la asesoría en el mapping.

C.L.B. ¿Cómo crees que contribuye Electrópolis a la construcción de una ciudad como Bogotá?
A.T. Para mi lo más importante es acercar un proyecto artístico a la comunidad en general que en muchas instancias es ajena y temerosa de no entender o no estar "a la altura". Como artistas damos a conocer lo que entendemos por ciudad de una manera directa o indirecta y nos enfrentamos a un público real.

C.L.B. ¿Qué significa para tí salir del museo a la calle y en este tránsito cuál ha sido tu mejor encuentro?
A.T. Mi tránsito se ha dado desde el año pasado realizando talleres abiertos a la comunidad en general. He estado muy satisfecha con los resultados que se han dado que dinamizan la obra.
Este es otro paso que para mi era necesario, sin lugar a dudas. Me encuentro muy satisfecha y agradecida por la invitación de Electrópolis, por confiarme una labor ardua y con mi equipo que tecnicamente ha sido un apoyo a todos estos resultados. No queda más que decir invitadísimos a ver los proyectos de 6 equipos de trabajo este único día (Viernes 30 de septiembre a partir de las 7:00 pm)

day for night

2011-08-10T11:13:00.008-05:00

Escenas que venden a costa de pobres corazones se popularizaron en los cincuentas en medio de lo que empezaba a ser el movimiento frenético de las ciudades importantes. Lo que ocurría de día estaba alumbrado por el sol, lo que ocurría de noche o trás las puertas, empezó a salir a la luz en las portadas de los tabloides amarillistas que subieron sus ventas mientras develaban la realidad oscura que acompaña la historia de los seres humanos muchisisísimo tiempo atrás de la aparición de la fotografía y de la crónica roja. Hace semanas establecí contacto con Nelson Guzmán, el artista protagonista de la entrada de hoy a propósito de su exposición en curso Plazo al anochecer, abierta hasta el 15 de agosto en LA Galería de Bogotá, pero ni sus tareas ni las mías por estos días habían dejado el espacio para compartir nuestra entrevista desde este espacio a los fieles y a los nuevos seguidores.

C.L.B. La influencia del cine de los cincuentas y de los medios masivos de comunicación es evidente en tu propuesta, cuáles son los encuentros qué te han llamado la atención en el proceso de traslado de medios masivos a puesta en escena artística y qué te sigue moviendo a hacerlo?

N.G.A. En primer lugar, considero que los medios masivos de comunicación han representado una fuente inagotable de narrativas e imágenes de las que me he valido para desarrollar mi práctica artística desde hace varios años. Igualmente, mi acercamiento a los medios ha nutrido esa necesidad de búsqueda y exploración de un mal presente en historias cotidianas, que siempre hablan de ese lado oscuro que posee el ser humano.

Principalmente, mi atención en torno a los medios se ha centrado sobre el periodismo sensacionalista y su descarado pero altamente atrayente y sugestivo interés por lo trágico. Esas singulares noticias de crónica roja presentadas en las tapas de los tabloides y desplegadas permanentemente bajo un llamativo uso del lenguaje y de la imagen. Historias aterradoras que inicialmente han sido y son presentadas como hechos reales pero que por su marcado sensacionalismo ocultan cierta dosis de ficción, transformadas entonces en una especie de ambigüedad que bien puede referir a lo propiamente veraz o a la ilusión cinematográfica, pero que para mi son esencialmente interesantes por reiterar la influencia e importancia de los medios hoy en día en el mundo contemporáneo y por manifestar de la manera más común el erróneo actuar del ser humano.

C.L.B. Veo las fotos y me acuerdo de los métodos de trabajo y herramientas de Weegee, cuáles son los tuyos y qué rescatas de la vida y obra de Arthur Fellig?

N.G.A. Bueno, creo que en cuanto a métodos de trabajo y herramientas que utilizo para desarrollar mi trabajo fotográfico, todo depende en primer lugar del tipo de proyecto en que me encuentre trabajando. En particular, los métodos de trabajo que he utilizado para la realización de Plazo al anochecer, han venido conformándose desde un proyecto anterior que realicé durante una residencia en la ciudad de Liverpool y que lleva como título Guiado por el eco. Durante dicho proyecto, desarrollé un seguimiento muy detenido a ciertos casos puntuales de crimen y asesinato que había encontrado a través de la prensa sensacionalista de la ciudad, paso seguido, me dirigía y visitaba el lugar específico donde había sucedido el crimen, documentando con mi cámara el área y navegando la zona en búsqueda de algún indicio o huella que me confirmara la realidad del suceso. De este modo de operar que indagaba por un escenario del crimen totalmente real, se originó en parte el presente proyecto, sólo que en Plazo al anochecer se han venido entrelazando otros elementos como la gran influencia del cine, más concretamente, del cine negro americano. El resultado ha arrojado entonces una serie desplegada bajo la mixtura de ciertas noticias de crónica roja y de escenarios e historias que he apropiado de un variado número de películas pertenecientes al cine negro. En este sentido, el método de trabajo que utilicé para la realización del proyecto Plazo al anochecer, consistió en la búsqueda y posterior recreación de escenarios del crimen basados tanto en la realidad de algunas trágicas historias locales tomadas de los tabloides sensacionalistas ingleses, como en la ficción de algunas escenas dramáticas y puntuales del cine de Hollywood; siempre con la intención de concebir una narrativa abierta a partir del lugar y elementos representados.

De otra parte, siempre he tenido una especial admiración por el trabajo fotográfico de Weegee, quien quizás, fue el primer fotógrafo que se atrevió a documentar ese lado oscuro y siniestro de una sociedad de masas a través del constante deambular por una ciudad (Nueva York) claramente afectada por los revolucionarios cambios que produjo el capitalismo industrial. Weegee representó también ese fotógrafo del espectáculo que centró su atención no en la veracidad del hecho y en el fiel documento que de este se pudiera originar, sino en la manipulación como elemento de conmoción y atracción de masas. Finalmente, me llama particularmente la atención que sea un personaje bastante asociado al cine negro, no sólo por la relación evidente de su obra con este tipo de películas sino por su colaboración y trabajo en algunas de ellas.

C.L.B. Parece haber un juego de artificio en tu trabajo fotográfico basado en el efecto cinematográfico conocido como "noche americana" cómo lo has explotado y al encuentro de qué?

N.G.A. Precisamente, toda esa idea de apropiar y recrear un efecto cinematográfico del cine clásico de Hollywood como lo es la ‘noche americana’, siempre tuvo como intención el no crear una imagen nocturna técnicamente fiel a la realidad, sino en insistir en esa idea del engaño y la falsedad a través del efecto. Idea que se repite y que esta plenamente presente en varios de los intereses y cuestionamientos que ha abordado este proyecto.

La apropiación y uso de este efecto cinematográfico, en principio únicamente destinado para su uso a través de las imágenes en movimiento, ha sido para mi en cierto sentido como una exploración y revaluación del medio fotográfico, me ha permitido la posibilidad de cuestionar un evidente diálogo entre cine y fotografía y además, el retomar y explorar técnicas tradicionales de la imagen que hoy en día parecen destinadas a desaparecer debido a las nuevas tecnologías. La recreación de este efecto visual, conocido originalmente en ingles como ‘day for night’, a través del proyecto Plazo al anochecer, produce inicialmente un dramatismo más recalcado debido al oscurecimiento de la imagen, y en consecuencia, un resultante efecto de monocromo que enfría la imagen y la vuelve en cierto sentido más siniestra.

Adicionalmente creo que el aprovechamiento de este efecto visual ha servido también como punto de partida para dar título a todo el proyecto: tras un ejercicio de combinar títulos de películas consideradas dentro de la serie negra surgió en algún momento ‘plazo al anochecer’ (Deadline at dusk en inglés), que puede referir en un sentido más anecdótico al simple término de tiempo que siempre tuvo el artista para realizar cada toma fotográfica durante las horas en que había luz día.

C.L.B. Recurres al recurso tipográfico para la construcción de otro tipo de mensaje, cuáles han sido las fuentes de inspiración y cómo los contextualizas en la época actual?

N.G.A. El origen de toda esta serie de piezas conformadas a partir del uso de textos, proviene concretamente de la apropiación del material publicitario promovido por los diferentes estudios de Hollywood durante las décadas de los años cuarentas y cincuentas para la promoción de sus filmes. Puntualmente, deseo señalar en este caso a los traílers y afiches de películas pertenecientes a dicho periodo, donde únicamente me he interesado en el material promocional de filmes que han sido catalogados por diversas razones dentro del cine negro clásico.

Esta serie de piezas que he venido desarrollando a partir de un antiguo material publicitario dirigido a una audiencia masiva, es quizás el resultado de la especial atracción que siempre he tenido por ese tipo de vistosos mensajes de corte sensacionalista, que particularmente son introducidos con frenesí y siempre parecen vociferar un peligro inminente. Fotogramas que han sido extraídos de su secuencia original para concebir una nueva narrativa, resignificando de esta manera un estrepitoso mensaje que ha sido acentuado en su espectacularidad, y que aún hoy en día tiene plena vigencia debido a su familiaridad con el sensacionalismo y con el encanto que genera la desgracia.

the little decisions we make

2011-07-18T08:29:00.001-05:00

Contar algo con una imagen congelada. No importa la tecnología de la caja, de la máquina o de la cámara, importa cómo se cuenta lo que se cuenta y el espacio que se deja al otro para participar de ese descubrimiento disparándole algo de la motivación que impulsó a disparar. Fotografía es narrar con imágenes, encontrar el estilo propio, el camino a la casa, al corazón.

Corazón
Pancho Tolchinsky

A Pancho ya lo había presentado y hace rato. Admiradora de sus narraciones sigo sus pasos y me complace todavía encontrarlo sencillo pero latente. Me gusta que en la mayoría de sus fotos no salen las personas que armaron los espacios que captura y en ese vacío de caras poder descubrir gestos que se vuelven puntos a unir como mapa de una región lejana, colorida, creyente y olvidada; el campo, la tierra, la casa.

Enchufe
Pancho Tolchinsky

¿ser o star?

2011-07-11T16:32:00.002-05:00

Hoy leí en la primera página del periódico que David Beckham y su spice Victoria, decidieron ponerle a su recién nacida Harper Seven. Otra realeza se aferra a su trono y marca no goles, sino modelos a seguir. Viene a mi mente la invitación a Morfotopías, la muestra que el artista colombiano Michael López Murillo inauguró el viernes pasado en la galería No lugar en Quito, Ecuador; el titular de prensa me recordó inmediatamente la imagen de la invitación y me condujo a pensar en esos nombres que por este sur del continente terminan bautizando a tantos que no son titulares, como los Beckham.

cuando la calle se vuelve parte de la casa

2011-06-28T11:13:00.002-05:00

Ayer estuve de paseo por las calles del centro de Bogotá. Un lunes festivo sacaba a la luz el abandono estatal y el descuido por parte de quienes habitamos la capital. Las calles de esta ciudad y lo que sentimos mientras las recorremos, es el reflejo de la relación cariñosa o indiferente con nuestras ciudades.

La semana pasada recibí correspondencia de Maria Linares, una artista colombiana que vive en Berlín hace años y que ya había presentado en este blog. En casi todas sus propuestas artísticas el espacio público es el escenario en que hace sus experimentos y daily deluxe, el que presentamos hoy es la nueva propuesta que hace junto a la mexicana Rosa Mesa como parte de daily services:

M.L. Se trata de una acción para el espacio público que se realiza en el marco del Festival 48 Stunden Neukölln en Berlín (48 horas Neukölln) un festival de arte y cultura que se realiza desde 1999 en este barrio, conocido por su historia de trabajadores y migrantes, hoy en día, una de las zonas con mayor número de artistas e intelectuales, pero también con muchos problemas sociales y fama de violencia. El tema del festival este año es "Luxus Neukölln" así que hicimos una investigación de campo buscando todas las ofertas "Beauty & Wellness" en el barrio (especialmente en los alrededores de la calle Karl-Marx) como un modelo de algo que es lujo para algunos y supervivencia para otros. Al final escogimos tres: una masajista de Tailandia, una peluquera africana y una esteticista turca, a las tres las contratamos para que "ejerzan su profesión" es decir, para que ofrezcan los servicios que normalmente ofrecen en sus puestos de trabajo en la calle, en una unidad móvil que construimos especialmente para eso.

La idea en daily deluxe es similar a la del primer proyecto del colectivo daily services, daily shoeshine services de 1999, cuando salimos a lustrar zapatos en la calle (cosa que en Alemania casi no existe y es realmente un lujo). Desde entonces daily services lleva estas ofertas de servicios a la calle como un cuestionamiento social. En el momento en el que uno recibe un masaje en la calle, en público y se deja atender “como un rey” ante los ojos de los transeúntes, la relación con el que te está prestando el servicio se agudiza. El hecho de disfrutar el servicio en estas condiciones "públicas" devela un trasfondo social, no sólo en la relación entre el que atiende y el que se deja atender, sino con el espectador desapercibido que camina por la calle y se encuentra con estas imágenes.

El colectivo daily services también se propone cuestionar nuestra actual sociedad de consumo. Las muchachas que contratamos van vestidas con el uniforme de daily services y todo (el diseño de la unidad móvil, las banderas que nos anuncian, todos los utensilios, los uniformes, etc) tiene una apariencia empresarial. También realizamos una encuesta durante la acción con preguntas como ¿Hace cuánto vive en Neukölln?, ¿Qué tan a menudo se puede Ud. dar este lujo?, ... Preguntas sencillas que relacionan la acción con la vida cotidiana de los participantes con las que esperamos invitar a la gente a llevar las reflexiones de la acción a su realidad propia.

En los proyectos de daily services hay una especie de desaparición de lo público y en daily deluxe no fué diferente: una vez sentadas en la silla recibiendo el masaje, a las personas que participan de la acción se les olvida que están en el espacio público y/o lo ignoran y no les importa, porque en ese momento la prioridad es el goce individual. Para el masaje de cuello hombres y mujeres se quitaban la camisa/blusa (algunas mujeres incluso aunque no tenían sino ropa interior debajo). Y no sólo el acto de desnudarse, toda la actitud de la gente es como si estuviesen en un consultorio privado recibiendo el servicio en la intimidad de cuatro paredes. Definitivamente el goce de los servicios de daily services incluye un cuestionamiento de la realidad social; el goce de los servicios se devela como negación de lo público.

la aventura de un lomógrafo

2011-06-13T19:24:00.017-05:00

“…Basta empezar a decir de algo: ¡Ah qué bonito, habría que fotografiarlo! Y ya estás en el terreno de quien piensa que todo lo que no se fotografía se pierde, es como si no hubiera existido y por lo tanto para vivir verdaderamente hay que fotografiar todo lo que se pueda y para fotografiarlo todo es preciso: o bien vivir de la manera más fotografiable posible, o bien considerar fotografiable cada momento de la propia vida. La primera vía lleva a la estupidez, la segunda a la locura”.

Antonino Paraggi, protagonista de La aventura de un fotógrafo, cuento escrito por Italo Calvino en 1953.

En la universidad tenía una Canon T60, la compartía con mi hermana que con ella tomaba unas fotos en blanco y negro insuperables. Cuando era mi turno, trataba de no gastar rollo, de componer en el cuadro y mientras rebovinaba con los ojos cerrados, deseaba que hubiera quedado alguna que otra foto rescatable, y que don Efraín, el que mandaba en Poder Fotográfico (el puesto de revelado en el centro de Bogotá) hiciera buena cara mientras me entregaba los contactos y mientras me entregaba y cobraba las ampliaciones. Hace años no voy a un estudio de revelado, hace más olvidé el peso de esa cámara, el precio de un rollo y el sonido mágico apenas acababa de robovinar y podía sacarlo de ese hoyo negro mágico. Recuerdo toda esa inversión en las fotos de antes y me encanta ver el crecimiento de un movimiento que sigue experimentando con la fotografía análoga. Por estos días de fotos al parque, a la calle y al público navegante, presento a Saúl Rincón Alarcón, un Antonino de estos días y con su permiso, algunas de sus imágenes.

S.R.A. Salir a la calle a capturar emociones es un cometido personal y más que fotógrafo me considero un lomógrafo. La lomografía cambió mi vida; cuando la descubrí en un kibutz de Israel fue como si un actorcito desnudo quedara frente al escenario y su maquillaje callera lentamente, como si buena parte de la vida que había llevado hubiera sido un engaño. La lomografía la entendí desde entonces más que un conjunto de ideas y más que una filosofía, como una disposición anímica.

Dicho esto te comento que ser lomógrafo en tiempos de un alto impacto tenológico es algo que se debe ponderar. Tiene mucho de positivo, pues por el camino de Internet adquirimos e intercambiamos rollos con personas interesadas en el movimiento de la tomografía alrededor del mundo.

Sin embargo, el desarrollo tecnológico ha puesto en vía de extinción y ha vuelto casi un hobbie de anticuario la fotografìa analóga, lo que implica que los costos de revelado, experimentación y digitalización de los rollos sean altos y de una calidad muy deficiente (imagínate más aún en Colombia, donde en muchas ciudades grandes los laboratorios de fotografía se limitan a expedir fotos para cèdula).

Por último te comento que si creo que hay una diferencia entre ser fotógrafo y ser lomógrafo. Cualquiera puede ser un fotógrafo: hoy día hasta con un teléfono móvil se logra aquello. Pero la lomografía requiere de ciertas cámaras, no cualquiera de formato análogo, además de una actitud que no busque una pose ostentosa. La lomografía en su raíz es más que doctrina, un hábito mental formado por dos elementos: el odio a las reglas y un sentido de fragilidad humana. Lo más bello de esta obsesión no es tanto que con ella pueda cambiar el mundo, pero al menos si estremecerlo.

mi amiga de casi cien años

2011-06-07T16:35:00.003-05:00

Pasa el tiempo y los caminos nos conducen a lugares distintos. Los lazos fuertes de amistad parecen mutar entretejidos sobre un mapamundi habitado por arañas. Pasa el tiempo y de vez en cuando se produce el milagro del reencuentro en el lugar que coincidimos y nos acordamos por qué terminamos uniendo el hilo. En su última visita una de estas amigas, Adriana, desde otro lugar del mundo, me trajo el encargo Destrucción y reconstrucción del padre de Louise Bourgeois. Con la señora de casi cien años también me encontré por ratos cortos pero intensos, y como en una necesidad de tocarla, terminé doblándole al libro muchas de las punticas de sus páginas, antes de cerrarlo esta mañana y dejarlo al lado de los que están a la mano para no olvidar lo que no quiero que se me olvide.
"El movimiento repetitivo de una línea, la caricia de un objeto, lamerse las heridas, el ir y venir de una lanzadera, la interminable repetición de las olas, mecer a una persona para que se duerma, lavar a alguien que quieres, un infinito gesto de amor".

la vida viva

2011-05-31T22:55:00.009-05:00

Me acuerdo que viajé por los días en que de la zona se hacía pública su calentura, y no porque hasta ahora la violencia le azotara, sino que el azote sonaba en los medios de comunicación con más fuerza que otras veces. Pisé y recorrí el terreno de Córdoba, tierra caliente y hermosa, toqué los capullos de algodón que se va remplazando por palma a la lata, comí kibbeh a la entrada del pueblo, mientras sentía el clima y pensaba que con ese paisaje y ese calor lo único que yo podría hacer sería escribir, mientras los valientes arrían ganado y los pacientes cuidan los ciclos del sembrado. Me llevaron a Cereté, el recorrido fue rápido y tuvo tres puntos que llamaron mi atención: el mercado, el río Sinú y una casa hermosa y bien cuidada que mi guía me presentó como la casa del poeta Raúl Gómez Jattin. Mientras, esperaba el encuentro con Irina, mi anfitriona, la que hace las proyecciones de cine en las zonas rurales, la que respalda la campaña de cuidado al río, la que con su trabajo mantiene vivo el espíritu poeta con su propia voz. Hoy 31 de mayo día del natalicio del poeta de Cereté, copio un verso de Irina Henríquez que a Gómez Jattin dedica:

A RIESGO DE CAER

“Yo estoy vigilante para hablar de lo que veo

a través de la ventana”

Orietta Lozano.

Se han agolpado todas las aves

en el verde manto de la tierra que atisbo por la ventana.

He confundido a peces voladores y golondrinas,

y desde que las aguas visten el color del pasto

me es imposible diferenciar tierra y lago

si sobre ambos piedras y nenúfares arden como la flor del día.

Comprobarán mis pies que la tierra es tierra

y que el agua es agua,

porque de ambas ascienden árboles inmensos sin procurarme sombra.

O seré ave a riesgo de caer.

O seré mujer a riesgo de volar

de flotar

de caminar sobre las aguas

o morir ahogada.

Entonces arderá en mí lo vegetal y desestabilizará el color de la materia.

Porque preciso locamente

palpar la savia de los bosques y los campos

olvidar la ventana y hundirme para siempre

bajo el verde manto de estas aguas.

Irina Henríquez, tomado de “Trece poemas a riesgo de caer”.

presencias bajo la lupa

2011-05-24T16:15:00.006-05:00

La foto de la invitación era un mosquito envasado, me quedé mirándola y volvieron a mi cabeza las mismas preguntas que cuando los veo vivos entrometidos en los espacios que habito: ¿cómo lograron llegar hasta este piso?, ¿por qué ese zumbido que de día no siento tanto me puede despertar del más profundo sueño?, ¿a qué velocidad están moviendo sus patas que acaban de posarse en no se cuántas, ni en qué clase de superficies antes? vuelvo a leer una frase de Augusto Monterroso en su Tratado sobre el movimiento perpetuo: "Hay tres temas: el amor, la muerte y las moscas. Desde que el hombre existe, ese sentimiento, ese temor, esas presencias, lo han acompañado siempre".

Vuelvo a la invitación, es de parte de Andrés Jurado, artista colombiano hace unos años en México, la muestra bajo el nombre Taxinomia ex Fabula está abierta al público desde el 12 de mayo al 3 de junio en el Centro Cultural Border de Ciudad de México. Muy lejos para estar, pero cercanas las posibilidades para indagar por la tarea de clasificación del maestro Andrés:

C.L.B. ¿Podrías compartirnos brevemente cuál es el relato que dio origen a tu trabajo de clasificación?
A.J. El relato tiene que ver con un problema de escala, con la masacre y la muerte como un problema de escala y clasificación. Empecé a recolectar imágenes de los mosquitos que aplastaba, luego empecé a recolectar los cuerpos de los mosquitos abatidos, que en muchos casos estaban llenos de mi propia sangre, de esto se desprendió una labor taxonómica en torno a este animal. La taxonomía y disecación son prácticas muy comunes en el arte contemporáneo y tienen una tradición estética y científica. Sin duda este trabajo combina las dos opciones.

C.L.B. ¿Cuál es el concepto que conecta las obras parte de Taxinomia ex Fabula, y cómo encaja en la muestra tu propuesta estética?
A.J. Esta exposición colectiva articula la noción de lo animal como concepto, sin embargo, no sólo apunta a una temática o motivo de obra, sino a una instancia curatorial que pregunta por la constitución animal del arte. De esta manera se construyó un intento de exhibición a partir de la fábula.
El nombre de mi trabajo dentro de la exhibición es Haemagogia e incorpora animales reales, mientras toca problemas del arte, involucrando el montaje, el cine y la labor de archivo en una actividad de clasificación que integra la fábula científica y la figuración de un animal político. Es un trabajo complejo que tiene distintas partes. La investigación sigue en curso y esta experiencia es parte de ella. Las actitudes que se tienen al interior de la galería son una referencia directa a los comportamientos que puede tener un animal en un laboratorio y eso hace parte de preguntas que nos seguimos haciendo dentro de la investigación.

C.L.B. ¿Vamos a tener la oportunidad de ver de cerca tu propuesta en Colombia, si es así, cuándo?
A.J. Es muy posible que se presente en Colombia. No se han concretado fechas o espacios, pero pienso volver pronto a Bogotá para trabajar allá con personas interesadas en este tipo de problemas dentro del campo del arte y la cultura. Supongo que de acuerdo al proceso, la pieza se reelaborará con mayor complejidad allá.

Llora la montaña

2011-05-02T11:48:00.008-05:00

Este sábado por la noche me despertó la tormenta más aterradora que haya vivido en Bogotá. El silencio de la madrugada y la oscuridad total hacía sentir más intenso cada rayo, cada trueno y el aguacero sobre el asfalto y los vidrios. Aunque asustada, volví a cerrar los ojos hasta la mañana que amaneció despejada revelando unas montañas limpias, verdes y hermosas; esas montañas que por toda Colombia lloran. Aunque suena a llover sobre mojado, me doy cuenta que aprendimos muy poco con la tragedia que resultó de la ola invernal del año pasado y que atravesando por otra ola y otra tragedia que supera a la anterior, hay que movernos por todos lados, a ver si reaccionamos al llanto.

Hace algunas semanas recibí del artista Santiago Escobar la noticia de su intervención Llora la montaña en la Avenida Alberto Mendoza Hoyos de Manizales. Después de la tormenta del sábado, de leer este domingo la entrevista publicada en El Espectador que le hizo Cecilia López Tascón al exministro del medio ambiente Manuel Rodríguez y de contemplar desde mi ventana unos cerros orientales cada vez más tajados, invadidos y congestionados, pero absolutamente hermosos, decidí conversar con Santiago y hacerle eco al llanto.

C.L.B. ¿Cómo surgió la idea de Llora la montaña y gracias a quiénes pudiste lograr la intervención en Manizales?

S.E. Uno de los patrimonios inmateriales de Colombia es la atracción visual por sus paisajes, representados en montañas, ríos y diversidad en la vegetación. Poco a poco hemos venido limitando esta libertad de mirar hacia las montañas al remplazar su capa vegetal por membranas de concreto; lo verde por gris! El crecimiento desmedido de la población exige nuevos espacios para habitar, nuevas urbanizaciones y proyectos de vivienda. El desarrollo también cobra su cuota, y la necesidad de construir nuevas avenidas choca con la topografía escarpada. Las obras de ingeniería que se construyen para sostener el remate de la montaña, hace que aparezcan parches monumentales de concreto que atentan contra el paisaje. Considero que hoy todos los procesos deben ser sostenibles desde el punto de vista económico, ambiental, visual, cultural y social. No debe quedar nada suelto. El semestre pasado, mientras hacía un reportaje gráfico en Medellín, pasé por una montaña gigante completamente cubierta de una membrana de asfalto en la vía San Diego- Las Palmas. Fue demasiado fuerte el impacto. Pude hacer memoria de esos mismos parches en el recorrido habitual que hice durante catorce años de mi casa al colegio que quedaba a las afueras de Manizales. Entendí que algo debía hacer para evidenciar esta problemática. Primero diseñé el proyecto para hacerlo en Medellín, pero gracias a una invitación de los creadores de Manizales Diseña y al permiso de la Alcaldía de la misma ciudad, decidí comenzar por donde todo empezó para mí: las montañas de Manizales. Así logre la intervención que también hizo parte del X Festival Internacional de la Imagen y que estuvo financiada y apoyada por Preconcreto, con su producto ConcreAraña, inventado por mi tío arquitecto Juan Vicente Escobar. La asistencia de producción estuvo a cargo del arquitecto Juan David Marulanda López.

C.L.B. ¿Como arquitecto que significó para ti el proceso constructivo de lágrimas y no de edificios o casas en el tramo que escogiste para la acción en Manizales?

S.E. Es lo mismo en cuanto al proceso de investigación, diseño y creación. Tienen la misma escencia e invierto la misma energía. La metodología usada para enfrentar los proyectos poco varía en relación al dibujo de una casa campestre o un edificio de siete pisos. Con mi asistente de producción dibujamos planos 2D y 3D, construímos maquetas, rayamos bosquejos e hicimos una revisión literaria. Ahora bien, el producto es distinto porque los objetivos son distintos. En las intervenciones no se trata de habitar un espacio o darle techo a una actividad, sino que se busca crear un hecho escultórico y artístico que modifique la cotidianidad de las personas y el imaginario de la ciudad al intervenir sus paisajes y calles. Pensemos que el recorrido de las personas a su trabajo o de los niños al colegio es de A a B. ¿Qué pasa cuando de un momento a otro ese recorrido se vuelve A-B-C? Las intervenciones cambian condiciones espaciales y emocionales de los transeúntes e imprimen un nuevo significado a los recorridos. Me interesa especialemente lo que piensan las personas en ese nuevo recorrido de B-C, consecuencia de la alteración premeditada de las condiciones del lugar a causa de la intervención. Trato de hacer preguntas más que dar respuestas. La segunda etapa de la intervención temporal es la relación tiempo- espacio, necesaria en la experiencia de la arquitectura, el urbanismo y el paisaje. Cuando la gente se empieza a acostumbrar a la obra, la desmonto.

C.L.B. ¿Qué encuentro has tenido en la puesta en escena de obras de arquitectura efímera como parte de tu trabajo artístico?

S.E. Para mi ha sido fundamental, ya que pasé de construir maquetas en pequeño en el patio de mi casa a construirlas gigantes en la ciudad. Es el mismo juego de reciclar objetos y materiales, y a partir de la escala concebir nuevos significados. También he podido llegar a nuevos públicos fuera de la pretensión o rigidez de los museos y galerías y llevar el arte a los ojos de la gente que camina por las calles. Lo efímero es para mi la escencia de la construcción del proyecto, hace que incorpore un componente fundamental que es el registro fotográfico, el video y dibujo durante la intervención. Este registro de carácter documental e interpretativo es el que me permite preservar la memoria y potenciar la imaginación como testimonio. En resumen, construyo las maquetas para fotografiarlas, las imágenes luego son exhibidas, publicadas y proyectadas.

C.L.B. ¿Piensas itinerar con tus lágrimas por Colombia?

S.E. Estoy en proceso de gestionar los permisos en Medellín, sobre la montaña en la vía San Diego- Las Palmas.

Diseño para un habitante del mundo

2011-04-26T09:37:00.004-05:00

Hace unos días recibí la noticia procedente de España: cuatro productos del estudio Martín Azúa fueron seleccionados en la edición 34 de los premios Delta, que destaca los exponentes más importantes del diseño español. Hoy comparto el trabajo de Azúa, con quien tuve la oportunidad de trabajar años atrás en un workshop que dirigió a los estudiantes del PEI en la Universidad Javeriana.
En ese entonces me sorprendió encontrar un diseñador español de personalidad sencilla, muy acorde a sus propuestas formales, que sin alardes nos mostró cómo se podía sacar del bolsillo una casa básica, un habitáculo que se infla con el calor e itinera con su nómada habitante y que hace parte de la colección del MOMA de N.Y. Por esos días Azúa invitaba a los futuros diseñadores a integrar el diseño con el arte, la vida cotidiana con el ejercicio creativo y las costumbres propias a las necesidades básicas de todos. Parece que lo sigue haciendo con el resultado de cada uno de sus proyectos, con los que extiende la invitación a diseñadores y artistas, a las comunidades artesanales y a un habitante del mundo probablemente cansado de ser pensado y tratado como consumidor o comprador.

Los invito a ver los proyectos Silver Diamond, diseñado para Unión Suiza, Get up! de esparto, lavabos Mix para Cosmic y Spiral para Nanimarquina, los cuatro trabajos premiados del estudio Azúa.

un posible articulador

2011-04-18T23:08:00.013-05:00

En los últimos siete años he tenido la fortuna de acercarme a un universo maravilloso de interpretación del texto; al oficio del ilustrador. Las primeras imágenes que me hicieron pensar en el dibujo como texto fueron los retratos hablados de Los ladrones de dinamita de Raimond Cháves. Por esa misma época recibí otro regalo en el que los dibujitos interpretaban el texto con un estilo que inmedatamente me revelaba a su autor: La melancólica muerte del Chico Ostra de Tim Burton. Desde entonces fue inevitable darle un lugar más a la mano a El Principito de Saint- Exupéry y volver a detenerme con toda la calma en la simpleza y brillantez de cada una de sus ilustraciones. Ha sido una temporada en la que he disfrutado regalando y recomendando a los amigos libros que generalmente se encuentran en las secciones para niños y en la que he conocido y encontrado las disculpas para acercarme a algunos ilustradores colombianos en los que he visto prosperar un oficio hermoso.

Esta semana transcribo la conversación con Jose Rosero y Jorge Restrepo, dos de esos buenos ilustradores colombianos y parte de los organizadores del primer congreso internacional de ilustración que se llevará a cabo del 12 al 14 de mayo en Corferias, Bogotá.

C.L.B. ¿Qué los motivó a organizar este primer congreso de ilustración en Bogotá?

J.R. Después de haber lanzado el año pasado el libro {img.} 50 formas de ver la ilustración, el primer catálogo de colombianos ilustradores, fuimos invitados a la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, allá conocimos a las personas de El Ilustradero, que es un grupo de ilustradores mexicanos, los mismos que coordinaron el Primer Catálogo Iberoamericano de Ilustración que estaba expuesto en la feria. También estuvimos en un encuentro llamado FILUSTRA que consistía en una serie de conferenciascon distintos profesionales de diversos países. Al ver todo este movimiento concentrado en un mismo espacio la pregunta fue ¿y por qué no hacerlo en Bogotá?

C.L.B. ¿Qué encuentran en los ilustradores colombianos para presentarlo en el congreso?

J.R. por lo que hemos visto y escuchado sobre la ilustración en Latinoamérica, sabemos que en Colombia hay un movimiento grande y revolucionado, sabemos que son más las revistas que publican ilustración, más las personas que se preguntan por el tema, más las actividades en torno al sector. Por eso la presencia de los colombianos que invitamos será medular a la hora de aportar. Cabe resaltar que hay algunos ilustradores que son también directores de arte de revistas como Dinero, El Malpensante o Soho, y reconocidos creadores de libros.

C.L.B. ¿Qué encuentran en los ilustradores extranjeros para compartir en el congreso?

J.R. Hicimos una selección de invitados que además de hacer imágenes bellas tuvieran algo que aportaren cuanto a la profesión, el arte y el pensamiento. Sus puntos de vista serán escenciales. Muchos de ellos además de ser ilustradores dirigen editoriales, tienen proyectos de gestión cultural o son docentes de alta categoría.

C.L.B. ¿Creen que en Colombiase empieza a consolidar un gremio de ilustradores? si es así, qué lo hace fuerte y que le hace falta fortalecer?
J.R. Creemos que en Colombia todavía no hay la madurez para empezar a hablar de Gremios. Lo que existen son diferentes iniciativas realizadas por distintos grupos que no están articulados. Sin embargo, es seguro que hay un interés común. Ya será cuestión de buscar los balances.

C.L.B. ¿Podrían nombrar tres invitados nacionales y tres invitados extranjeros que vayan a participar en el congreso y la razón principal por la que quisieron invitarlos?
J.R. Entre los nacionales contaremos con Rafael Yockteng, ilustrador infantil y ganador de diferentes reconocimientos internacionales. Estará María Osorio, editora de Babel Libros y Juan Felipe Sanmiguel, ilustrador y director de arte, primero de la revista Don Juan y luego de la revista Dinero.
Entre los internacionales contaremos con Juan Martínez Moro, artista, ilustrador y catedrático español; con Alejandro Magallanes, ilustrador, diseñador y artista mexicano reconocido por sus carteles ilustrados y libros infantiles. Por otro lado estará el argentino Luis Scafati, ilustrador a cargo de un taller intensivo llamado La ilustración como modo de dibujo.

intro a conversación con un taxista

2011-04-07T18:42:00.002-05:00

Esta mañana iba para clase, las calles estaban cerradas por la protesta estudiantil que tuvo lugar en las principales vías de Bogotá, e hizo colapsar el tráfico. Se hacía tarde, tuve que tomar un taxi.
Señor, voy para la Universidad Javeriana.
El taxista me contesta: es mejor que hoy no vaya a estudiar.
Soy la profesora, le explico.
Alterado me dice: es por culpa de ustedes los profesores que estos chinos se nos vuelven guerrilleros, todos una partida de vagos!
Y entonces la conversación con Florián empezó, porque no todos los taxistas callan a sus pasajeros amenazándolos con una cruceta.

regresión

2011-03-16T13:57:00.003-05:00

"Lo que se representa como la vida real se revela simplemente como la vida más realmente espectacular".

Guy Debord

Ayer fue un día de regresión, volví a la Universidad Nacional, para un buen plan como siempre. Esta vez fue para visitar la exposición Variaciones sobre el purgatorio de José Alejandro Restrepo curada por Andrés García La Rota. Al entrar el vigilante me entregó una encuesta que me pidió que llenara y le entregara a mi salida.

Recorrí las salas lento, duré toda la tarde, vi y me sentí extrañamente observada, me tuve que alejar, para ver el todo, me tuve que acercar para descubrir en la nada. Tuve temor de bajar el escalón del lado hondo y de estar en una piscina pública mientras oía tan antipáticas voces pronunciando tan repetidas palabras. Me senté para sentir más cerca la vibración del agua, me sentí libre mientras estaba encerrada. Paseé, le di vueltas a la palabra purgatorio, autómaticamente volví a mi infancia, me fue imposible dejar de asociarla con las experiencias post- purgantes, con la abuelita que le rezaba a las intranquilas almas, con el colegio y las madres superioras que decían que si nadie lo vió, Dios sí; y luego ese recuerdo vívido y profundo de sentir realmente miedo, al pretender oir junto a los adultos a las almas llorando, al sentir que Dios sí vio eso que yo quería ocultarle y cuando después del purgante no podía parar de vomitar. El trabajo de Restrepo alrededor del purgatorio como concepto que sigue teniendo el mismo efecto en nuestro país es impecable, su resultado es una cuidadosa puesta en escena que no se preocupa por esconder el artificio, sino hacer de él la revelación a nuestros sentidos.

(Al salir entregué al vigilante la encuesta diligenciada, me devolví con ganas de ir al baño. Me arrepentí de haberle puesto excelente también al servicio sanitario).

It's hard to make a living as an artist

2011-03-09T09:12:00.005-05:00

Una afirmación que podía ser el más sintético y sencillo de los comentarios a la tan sonada columna de Lucas Ospina publicada la semana pasada en La Silla Vacía y titulada ¿De qué vive un artista?.
Para mi gusto, no es necesario extenderse tanto sin activar construcción, ni entrar en discusiones que terminan poniendo en cuestión las decisiones personales de quienes a voluntad hacen parte del gremio artístico en alguna de sus expresiones, en su infinidad de posibilidades de acción o pasividad, en la combinación de ese ejercicio con otro trabajo, negocio o estado civil... Desempeñarse como artista supone actuar y hacerlo a sabiendas del orden de prioridades en el contexto geográfico en el que decidimos quedarnos para hacer el oficio. Así que hay mucho de qué hablar, pero para efectos de llamarse bien artista es mejor hacer y reconocer la realidad de la que se es parte.

El título de la publicación de hoy es el de la exposición en curso del artista Luis Hernández Mellizo, que se inauguró el pasado 26 de marzo, en Lugar a Dudas de Cali, y la puesta en escena de un planteamiento que oportuno, él nos comparte:
(El texto a continuación y en respuesta a petición de su autor está transcrito tal como el lo envía. Las imágenes son de la puesta en escena que Hernández Mellizo adelanta en Cali.)

"En ocasiones me he visto precisado a trabajar sin amor ni entusiasmo por cumplir un encargo, por hacer obra pagada y mal pagada y, yalo he dicho, he tenido que acometer toda clase de trabajo para resolver el problema del día. Esa es la vida".

Francisco Antonio Cano. El Gráfico, Bogotá, 1916.

A, B, C de It´s hard to make a living as an artist
A. Mientras estudiaba inglés con el propósito de estudiar en el exterior utilizaba libros publicados por la editorial de la Universidad de Cambridge, que data de siglos atrás y especialista en enseñanza del idioma, en estos se acude a diferentes temas con el fin de además de enseñar el idioma enseñar cultura general. En una ilustración de un libro aparece un artista andrajoso con los bolsillos del pantalón al revés en un sitio ruinoso y sucio diciendo que iba a ser artista pero es difícil ganarse la vida así. Esto me condujo a realizar una búsqueda con esa misma frase y encontré una serie de elementos que van desde libros, ilustraciones y consejos sobre la profesión. Es evidente que existe un arquetipo del artista y su no economicamente prospera carrera profesional que en resúmen, es considerada más la vocación a un pasatiempo, en realidad un acto de fé.

B. La pintura Horizontes autoría de Francisco Antonio Cano, es considerada por varios agentes del arte una de las obras más importantes del arte colombiano, representa una serie de ideales sobre los que se ha fundamentado la sociedad nacional. La obra hace parte de una de las colecciones públicas más importantes del país. En una visita al museo en el que se expone Horizones encontré a un pintor de rodillo ejerciendo su labor frente a la pintura de Cano, fue un afortunado accidente; hice un video me condujo a grabar un video de unos segundos hasta que el vigilante me obligo apagar la cámara luego, recorte y empalme el video en un loop de la acción pictórica. La pintura virtuosa contrastada con la del pintor de brocha gorda. Justo en frente de la pintura "bella" la realidad del pintor de paredes intererumpe y se sobrepone a la imagen de la "buena" pintura, la "noble". Horizontes probablemente fue encargado por la Gobernación de Antioquia para la celebración del centenario de su liberación en 1913 a Cano quien fue anteriormente patrocinado por el gobierno nacional y por diferentes élites del país para viajar y estudiar en Europa lo que lo involucro casi toda su vida con un "Arte nacional comprometido" con la consigna de "progreso y civilización", de acuerdo al pensamiento político y religioso de la época. En una carta de Cano dirigida a Carlos E. Restrepo (presidente de Colombia) el 9 de junio de 1913 Cano escribe: "seguiremos (...) obligados a pensar que ser artista aquí, más que en parte alguna, es el peor de los inconvenientes de la vida; dedicarse al arte, dedicarse a la miseria; Y mientras tanto el dinero que se paga por arte se gasta muchas veces sin arte y fuera del país. Hay que trabajar por nosotros mismos".

C. Es claro que desde hace cerca de un siglo a hoy las cosas no han cambiado mucho, en un país como Colombia, en el cual ganarse la vida dignamente como ciudadano es difícil, ganársela como artista resulta paradójico. El arquetipo del artista que se ha forjado con años de celebres ejemplos, resulta el pretexto para realizar un proyecto que habla sobre el arte, sobre los que lo hacemos y los que lo administran y, sobre la relación de estos asuntos comparando contexto local con uno "internacional". Yo ahora hago un proyecto que podría verse como la ingenua intención de alguien de convertirse en un artista internacional representante de su cultura en pro de bien y el sustento propios.
Luis Hernández Mellizo
En la vitrina Lugar a Dudas, marzo- mayo 2011.

lanzamiento amarillo

2011-03-07T20:32:00.004-05:00

Finalizando el año pasado tuve la oportunidad de presenciar un toque en vivo de Amarillo, un grupo de folk- pop conformado por Juan Pablo Angarita, guitarrista, Bibiana Rojas, saxofonista y Gabriela Supelano, percusionista y voz. El trío apunta a seguir consolidando un estilo experimental y a ampliar su fanaticada con el lanzamiento en línea de su primer EP, producido por Dj. Pho, el próximo 16 de marzo a las 4:03 p.m.

Amarillo empezó cuando Juan Pablo y Gabriela se conocieron en la universidad y decidieron ponerse a tocar. Dos años después conocieron a Bibiana y se dieron cuenta que el encuentro era serio, una banda. Ya es casi un año y medio de trabajar en sus propias canciones, que por fin estrenan con el nombre 1603. Amarillo llega oficialmente a la escena musical bogotana, sin ánimo de sacrificar su estilo experimental inspirado en el sonido de la inusual combinación de sus instrumentos. Bienvenidos, Amarillo.

tremenda joyita

2011-02-28T22:48:00.005-05:00

No se trata de una fórmula de autoayuda, el descubrimiento del niño y la niña que nos habita es el reencuentro permanente con la espontaneidad, la capacidad de sorpresa y la alegría; sin duda el oficio artístico es una de las vías para reconocer las consecuecias de ese encuentro personal y único que nos hace concientes como propietarios de tremenda joyita. Hoy presento el producto del trabajo colaborativo entre la joyera Alina López y el artista Julián Urrego que con Relicarios, la muestra que juntos inauguraron en Medellín este sábado, nos recuerdan su existencia mientras hacemos memoria del objeto de siglo pasado, que sobre el pecho volvía uno el camino de dos.
A propósito de la muestra y su trabajo, la semana pasada conversamos:

C.L.B. ¿Qué activó el trabajo entre una joyera y un dibujante para llegar a Relicarios?
J.U. El amor y la admiración que tengo por Ali. De la mano de ella y de otra amiga, Adriana Berrío, he conocido la joyería contemporánea, he aprendido a valorarla cada vez más, a coleccionarla y a entender que el trabajo que hago como dibujante desde la joyería tiene el valor de lo sencillo que se sublima desde una idea, desde un corte o un pliegue.
A.L. La amistad, el amor, la admiración y el encanto que esos dos niños producen en mi.

C.L.B. El trabajo en plata de Alina López se puede apreciar en un resultado formal que evoca una costumbre antigua, en una joya contemporánea ¿Cómo fue ese proceso?
A.L. A esto se llega luego de investigar y probar con las técnicas de fotografía sobre esmalte, así es como se pueden traspasar las imágenes; junto con el cincelado, armado y plegado que refuerza la fusión masculino- femenino, usé un collage de técnicas con sentimientos hacia lo que estos dos niños son para mi.

C.L.B. ¿Qué inspiró las dos imágenes que contienen la joya?
J.U. Esas imágenes- recortes que aparecen en las joyas, pertenecen a un libro de anatomía para niños (cómo soy yo de la Enciclopedia El mundo de los niños , tomo 14, editorial Salvat, Barcelona, España) que me acompañó a mis hermanos y a mi en nuestra formación escolar. Desde 2001 las reelaboro en diferentes momentos e intensidades. De esos dibujos Alina colecciona una serie de 2005 y en 2009 me dijo que quería hacer algo con ellos, yo le dije que eran suyos, y el año pasado su deseo se materializó en una primera pieza.

C.L.B. ¿Cuál ha sido su mayor encuentro en este trabajo colaborativo y qué esperan de esta muestra?
J.U. Poder compartir experiencias, el diálogo constante de todo este proceso, los avances de cada semana, la hospitalidad en la Sierpe de Víctor Saldarriaga, la colaboración de Lina Lara y Lina Rada. Poder ver mi trabajo visual habitando otros espacios, esos relicarios- cuerpos- joyas, elaborados una y otra vez por otras manos, otras ideas. Crecer desde lo colectivo.
A.L. Enriquecerse el uno con el otro. Tomar elementos del trabajo del otro que enriquecen el mío y amplían la propia visión.

brutal elegancia

2011-02-15T22:20:00.005-05:00

La ciudad en la que vivo crece sin parar en un caos que baja su volumen en las madrugadas, los festivos o el día sin carro. Bogotá recibe a todos, crece hacia arriba y se come las montañas que orientan y purifican las más de siete millones de exhalaciones por segundo de cada uno de sus habitantes, sin contar las de sus carros, buses, fábricas. A la fecha permanece en construcción y medio trancada. Sin embargo existen ojos que se toman el tiempo para detenerse lento en las imágenes que revelan una ciudad que nos es ajena, o tan familiar, dependiendo de sus fragmentos, ya sea por su inverosímilitud o por la extraña belleza que logra imponerse aún en medio de su brusquedad. Esta semana la Galería Mu del barrio la Macarena enfrenta dos miradas muy distintas, la de Susana Carrié y la de Francisco Mojica a través de un trabajo fotográfico del cual nos presentan una imagen y su reflexión sobre ella:

La fotografía: una febril y deliciosa dependencia

Durante veinte años de trabajo continuo en el diseño gráfico y editorial han pasado frente a mis ojos numerosas fotografías de otros, con las he trabajado de diversas maneras; a veces, recomponiéndolas con el collage o relacionándolas con los textos; otras, interviniendo directamente sobre ellas. Solo hasta hace dos años —cuando la fotografía se “democratizó” con el desarrollo de la tecnología digital— decidí lanzarme a esta apasionante forma de expresión que desde entonces me hace padecer, casi a diario, una febril pero deliciosa dependencia.

Bogotá es una fuente inagotable donde bebo todos los días, habitada por esos seres anónimos a quienes “robo” en situaciones casuales. La fotografía, en mi caso, es esa ilusión de apropiación pero también es una apuesta por redimensionar aquello que es “feo”, pues no se ajusta a las formas simbólicas establecidas. Mi foco de atención se fija en lo bizarro, en lo cómico y en lo insólito de lo cotidiano que a fuerza de estar tanto allí, ha ido perdiendo su visibilidad o su belleza se ha ido marchitando ante nuestros ojos.

Jamás elaboro una puesta en escena, la escena está ahí, esperando. Por eso llevo en mi cartera —como elemento indispensable— mi pequeña compacta de 12 megapíxeles y 10x, con su inigualable lente Leica. La adoro porque asusta poco en el disparo. Cuando salgo acompañada voy con la réflex y sus lentes. Sin embargo, estoy convencida de que no es la cámara quien hace al fotógrafo, y esto me hace recordar una sabia frase del fotógrafo francés Felix Nadar: “La fotografía artística no existe. En la fotografía existe, como en todas las cosas, unas personas que saben ver y otras que ni siquiera saben mirar”. Susana Carrié

"...El sentimiento de asfixia es reforzado por la plomiza luz bogotana. Una luz dura y pesada, sucia por el smog, por el concreto, por las cacofonías, por las culatas de los edificios que esperan eternamente la aparición de un vecino que las cubra. Una ciudad inconclusa que invita a que su siguiente apéndice sea aun más grande, más desproporcionado, más brutal.

Sobre este lienzo empiezan a distinguirse poco a poco chispazos ocre, azules, verdes, amarillos; cortes sobre la luz mórbida que crean una paleta de colores común a toda la serie, y que ocurre por las características urbanísticas del área objeto de estudio: Hacia el sur de la calle 11, pasados los edificios del poder público, aun predominan antiguas casas de techos de teja de barro, en su mayoría residenciales. La calle 26, por su parte, es la frontera arquitectónica que hacia el norte marca la hegemonía de cincuenta años del ladrillo en las fachadas bogotanas." Francisco Mojica.

"desde todos los tiempos las fieras se ahuyentan con fogatas"

2011-02-07T11:39:00.004-05:00

Hace algunas semanas fueron escogidos y publicados los 43 artistas colombianos que bajo la curaduría de Carlos Betancourt Salazar,Nuevos Nombres conforman la lista de que gracias al BBVA y al Banco de la República, itinerará desde febrero de este año y hasta abril de 2012 por diferentes ciudades de Colombia, contando con una bolsa final de adquisición de 50 millones de pesos (Así si paga participar en una convocatoria, porque hay descentralización y un reconocimiento económico justo a los artistas). Por otro lado, este febrero termina el 42 Salón Nacional de Artistas que tiene en esta versión su sede en la costa atlántica. Uno de esos nombres nuevos de la lista hace parte de la muestra nacional y es de este post el protagonista. Casualmente y para ponerle mejor energía a esta conversación entre los dos, cada uno de nosotros se encuentra en este momento en una ciudad costeña distinta, compartiendo trabajo con una comunidad de la que necesitamos tener más eco al interior que se sigue creyendo centro. Por todo eso, con Santiago Escobar hablo hoy:

C.L.B. Fuiste seleccionado para Nuevos Nombres del BBVA y el Banco de la República, con tu obra Santa Rita, tierra de luz, que en este momento compartes en la temporada de cierre del 42 Salón Regional de Artistas, ¿Cuál fue tu motivación para trabajar en Santa Rita, Magdalena?

S.E. La idea surgió durante una sesión de fotos que hice en Santa Rita tres meses antes de la intervención. Estaba allí, porque como fotógrafo de Villegas Editores debía registrar los proyectos sociales, productivos y culturales que adelantan varias fundaciones y que estarán publicadas en un libro de gran formato. Mientras hacía las fotos bajo un sol intenso, conocí a Carmelis Arrieta, quien se desempeñó hasta el final del año como un enlace entre todos. Este proyecto se me vino a la mente como complemento directo de la intervención Pueblo Fantasma, tierra de luz, que ya había hecho en el Morro de Sancancio de Manizales para el 13 Salón Regional de Artistas, Zona Centro- occidente, curaduría MICROmacro del Ministerio de Cultura. La intervención luego se instaló en Armenia, Medellín y por último, en la Bahía de Santa Marta para el 42SNA. En la primera etapa del proyecto conté con el apoyo de la Fundación Taller del Territorio, dirigida por el arquitecto Andrés Satizábal Villegas. Se me hizo necesario no sólo reflexionar acerca del desplazamiento con la simulación de un grupo de personas en esa condición que se toma un lugar específico, sino también sobre la importancia de plantear y celebrar la solución: el retorno pacífico al lugar del que fueron desplazados.

C.L.B. En Santa Rita, tierra de luz, hay una clara puesta en escena que ilumina la casa vacía, ¿qué significa para tí como arquitecto ese gesto?

S.E. El gesto de iluminar los esqueletos de vivienda tuvo dos propósitos: uno formal y plástico, y otro conceptual y simbólico. Del primero debo decir que la luz no sólo permite la realidad de la fotografía, sino que también da sentido a la arquitectura en su apuesta volúmetrica, espacial y de textura. Es la luz la que evidencia el carácter del edificio o la casa, desde lo visual y lo térmico. La luz es a la arquitectura lo que la arquitectura al hábitat. Así, habitar es iluminar un espacio con la presencia. La luz entonces dejó en evidencia la dignidad, generosidad y belleza de las otrora casas de estilo republicano. Lo conceptual lo entendí como la forma más simple y directa de celebrar el retorno de estas familias y recordar las que faltan. Me pregunté cómo se vería y habitaría el pueblo de Santa Rita si estuviera nuevamente iluminado al unísiono, como hace once años y cómo sería enviar una señal poderosa de las familias que están regresado y habitando su casa con calor de hogar, para simbolizar felicidad.

Desde todos los tiempos las fieras se ahuyentan con fogatas.

C.L.B. ¿Cómo fue la relación con la comunidad para lograr esta intervención urbana?

S.E. Hubo empatía inmediata, ya que tuve una bienvenida por querer fotografiar la reconstrucción de su pueblo. Luego gracias a Carmelis y Luis (el líder comunal) surgió natural la presentación del proyecto y la participación de toda la comunidad (abuelos, padres, jóvenes y niños) en la intervención.

Antes de la intervención tuvimos un conversatorio muy emotivo con los habitantes del pueblo y los artistas Fernando Arias y Jonathan Colin (curadores MICROmacro) juntos cantamos, recordamos e imaginamos. Allí expliqué el significado de la intervención y su desarrollo técnico que consistía en encender un sistema lumínico de mecha muy sencillo, tipo farol. Fueron 120 potes ubicados por las personas dentro de las viviendas abandonadas. Cuando cayó la noche salimos todos detrás del loco del pueblo quién llevaba una gran antorcha que encendía las mechas a su paso. Durante ese "peregrinaje de retorno" entendi que era el momento de producir las imágenes. La larga obturación magnificó la luminosidad y registró la diferencia de temperaturas de luz. Esos rastros de luz azul que quedan en las fotos son como la renuencia de la violencia y el miedo a irse, mientras el fuego el quedarse. Por eso ellos se mantuvieron quietos, como quien se niega a marcharse.

C.LB. ¿A lo largo de este trabajo cuál ha sido tu mejor encuentro?

S.E. Creo que el encuentro entre el arte y lo social. Cuando una necesidad creativa se une a una buena causa y esa causa surte efectos renovadores y de cambio, el círculo que uno imaginó dibujar... queda completo!.

concierto para plantar

2011-01-31T18:37:00.001-05:00

La semana pasada recibí de LA Galería de Bogotá la invitación a la exposición que se inaugura este jueves 3. Bajo el título de Afluencias esta muestra es el diálogo entre las obras de la colombiana Eulalia de Valdenebro y la alemana Alexandra Deutsch, quienes gracias a internet se propusieron un punto de encuentro para hacer potente la conversación entre matas y enredaderas que siguen brotando silenciosas también en el páramo que no podemos dejar acabar.

C.L.B. ¿Cómo se produjo el encuentro entre las obras de cada una de ustedes para decidir emprender una muestra juntas?
E.V./ A.D. Aún no se produjo el encuentro, eso sigue siendo una expectativa para nosotras, es algo que sólo sabremos el día del montaje. Sin embargo, al ver las obras de cada una, sentimos que nos fijamos en cosas muy parecidas, que nos interesan las formas de crecimiento de los seres vegetales, que nos apasiona la biodiversidad del trópico.

C.L.B. La exploración del reino vegetal en su trabajo tiene un desarrollo técnico y un resultado perceptivo bien distinto. ¿Cómo lo describen?
E.V. Para mi trabajo en general, se trata de un encuentro con el sitio específico, me fijo sobretodo en las condiciones políticas del paisaje que han determinado la formación de los cuerpos vegetales. Para este proyecto Nativas/ Foráneas me he fijado en la ausencia de flora nativa en Bogotá. También me he fijado en cómo es la regeneración de un bosque andino y especialmente me ha llamado la atención el comportamiento de las enredaderas, tan veloz, eficaz e invasivo, que junto a otras especies de rápido crecimiento, son las primeras en recolonizar un lugar deforestado. Creo que tienen una fuerza vital fascinante, que en cierto sentido, devuelven un poco la esperanza en medio de este inmanente desastre ecológico que hacemos cada día. Cuando ves una enredadera crecer puedes pensar (o quieres pensar) que la vida persevera de todas maneras. A mi me gustaría encontrar esta fuerza también dentro de la ciudad y esa es la intención de Nativas/ Foráneas, un proyecto escultórico.

C.L.B. Eulalia, ¿cómo decides producir música desde tu obra?, ¿Cómo se ha dado la interacción entre tus trabajos y los músicos?
E.V. Lo primero es que no es una decisión mía, la obra nunca estuvo pensada para esto, es más bien algo que recibo y que comparto. Para entender cómo sucedió, hay que entender que el dibujo se convierte en partitura. Este dibujo es un mapa, está hecho como una serie de convenciones con colores, con líneas, a escala 1:1, con códigos que representan las partes de una escultura que espero se construya (o más bien se plante) algún día en la ciudad de Bogotá. El dibujo fue la manera más cercana que tuve para ver esa escultura a escala real. Está hecho a partir de improntas de las diez especies de enredaderas andinas soportándose sobre una retícula que será la estructura de la escultura.

El dibujo es una especulación de crecimiento, es una proyección en el tiempoy es por eso que me encantó la propuesta de Diana Restrepo y Federico Demmer (músicos, percusionistas y amigos) que cuando vieron el dibujo, no vieron la escultura que yo quería, sino que vieron códigos y signos; ellos vieron una partitura y la interpretaron. Lo bonito es que su interpretaciónsonaba a bosque. Fue una maravillosa sorpresa para mi y para todos.

C.L.B. ¿Cuál es su intención haciendo dúo en esta muestra?
E.V./ A.D. La intención es ser afluentes como los ríos que se unen y van formando uno más grande.

De un perro a cuadros

2011-01-23T18:41:00.013-05:00

El minuto de silencio se me fue largo hasta esta mañana de domingo cuando leí la columna de Maria Jimena Duzán en la revista Semana en circulación, bajo el título ¿Por qué los colombianos aguantamos todo? Inmediatamente encontré en mi correo la tercera respuesta de inconformidad a la convocatoria Región 0. Festival Iberoamericano de videoarte en Nueva York, que difundí hace algunos días entre mis contactos videoartistas. Casualmente ninguno de los tres remitentes es colombiano y los tres se definen desde su vida y obra como latinoamericanos. Impulsada por la columna en la que la autora concluye, entre otras, que "protestar en Colombia no sólo desafía la cultura establecida, sino que lo convierte a uno en un perro a cuadros", y el desacuerdo de tres artistas, transcribo el mensaje que explica por qué no participar en la convocatoria REGION 0 de Felipe Ehrenberg, quien no se conforma con que el asunto quede entre él y yo:

Con un saludo a tod@s, tal vez guste la querida amiga Catalina López, en Bogotá, compartir mi comentario:
Abundan en internet invitaciones y convocatorias similares que son respondidas por demasiados artistas, quienes en su procura desesperada por "construir currículum", se inscriben sin pensarlo dos veces. Lo que más les atrae, es que suceden en Europa o países angloparlantes
La importancia de un buen CV es innegable. Sin embargo, debe reflejar el criterio que aplica el artista para que sus participaciones sean significantes.
Personalmente, me parece de suma importancia buscar actividades en la América latina, incluyendo Quebec. Mientras más participemos en eventos propios, más les daremos importancia. Es el artista, no la sede, quien le otorga dimensión a los eventos colectivos.
Felipe
felipe ehrenberg/neólogo
www.ehrenberg.art.br

Que te quede claro

que poco o nada ganas

con excitarte

o enojarte.

Siempre llegarás tarde

al tren que ya salió

y a tiempo

para el siguiente.

Piet Hein

una vez más, Hrabal

2011-01-10T09:38:00.000-05:00

Siempre me he sentido atraída por Europa oriental. En esa zona geográfica se inspiraron los compositores de la música clásica que prefería en mi niñez, las piezas de cristal más hermosas y trabajadas que haya visto y el autor de Una soledad demasiado ruidosa, la novela que tiene un lugar de memoria en mi biblioteca y que de vez en cuando abro en cualquier página para que no se me olvide. Este fin de año, con ganas de libro, pero despistada como siempre respecto a cuál sería el mejor para leer descansando, pedí en la librería otro de Bohumil Hrabal. Compré entonces un ejemplar de Yo que he servido al rey de Inglaterra, y me pasó en su lectura, que más me encantaba al acercarme al final. Otra vez Hrabal pone de protagonista a un hombre común, con un oficio corriente que se vuelve disculpa para meter al lector en su cuerpo y en su mente. Me volví por unos días confidente, hoy satisfecha, de un protagonista que empezó como aprendiz de maitre, que de vez en cuando cubría con los billetes ganados el piso de su cuarto mientras visualizaba una vida millonaria; de adulto tuvo una esposa enfermera del ejército alemán y un hijo que sólo podía martillar clavos en cualquier piso, volviéndose para mi, la banda sonora de una guerra que con la misma fuerza y profundidad iba quedando clavada en el alma de sus víctimas y victimarios; en la vejez fue dueño tan sólo de unos zapatos de charol y una banda condecoradora terminada en una medalla. El protagonista sin nombre, vivía el final de sus días con un caballito al que perseguía una cabra, a la que perseguía una gata salvaje enamorada de un perro, en una casa que en su interior fue forrando de espejos para volverse consciente que él mismo era su única compañía y así poder contemplarse incluso al darse la espalda. Una vez más leer a Hrabal me llevó con él a pensar en la vida, en la muerte, en el sentido del servicio ya sea para no pensar en él y seguir una vida de trabajo y anonimato, o para aprovecharlo y escalar a un éxito que en su otra cara es fracaso.

de viaje a donde no puede volver

2011-01-03T16:18:00.002-05:00

TRAILER MAMÁ CHOCÓ from making docs on Vimeo.
El nombre de Diana Kuéllar va y viene hace rato en las conversaciones sobre realizadores buenos y comprometidos, en invitaciones a talleres de creación documental de los que hace parte como organizadora en la Universidad del Valle y en la lista de caleños de la movida audiovisual. A mediados del último diciembre su último documental, Mama Chocó, ganó en el festival de cine Atlantidoc en Uruguay. La película es la vuelta imaginaria de una mujer chocoana que llegó a Cali desplazada por la guerra a su tierra, al reencuentro de sus veintiseís hijos y más de cien nietos. Su directora cuenta que es otra mirada del documental Amor de lejos y responde a las preguntas para que les pase como a mí y queden con ganas de ver completa a la Mama.

C.L.B. ¿Qué te motivó a trabajar sobre el fenómeno de desplazamiento del cual han sido víctimas tantas familias del medio Atrato?
D.K. Todo comenzó cuando hice un documental sobre la situacion de las mujeres en Colombia para A.I. en 2006, Tejedoras de paz. Mi hilo conductor era la Ruta Pacífica de Mujeres que ese año se movilizó hacia el Chocó. Nosotros las acompañamos por todo el país, arrancando en Popayán, luego Cali, zona cafetera, Bogotá, Medellín y finalmente Quibdó. Luego de filmar la ruta nos quedamos un tiempo en Chocó y ahí fue cuando conocí la belleza de esa tierra, su riqueza y gente hermosa. Claro, con cada persona que hablaba me enteraba de los niveles tan impresionantes de violencia, abandono y desplazamiento de la zona... Ahí se sembró la semilla. Luego conocí a Paulina http://dianakuellar.spaces.live.com/blog/cns!640667A776302490!966.entry

C.L.B. Durante tu proceso de trabajó ¿cómo conociste a Paulina y cómo llegaste a armar el documental alrededor de ella?
D.K. La conocí durante el rodaje de Perro come Perro, película para la que fui asistente del director Carlos Moreno. Estábamos en casting para la película, ya teníamos casi todos los personajes excepto la bruja, Carlos quería una actriz natural, pues casí todas sobreactuaban... entonces las personas de casting (Teatroas), en particular Martha Márquez arrancaron a buscar mujeres afros del Pacífico o Puerto Tejada que pudieran hacer el papel. Fue una larga búsqueda, hasta que nos contaron que en La Máscara había un grupo de mujeres desplazadas del Chocó que ensayaban una vez por semana. Todas eran muy buenas, pero Paulina se ganó nuestro corazón. De ahí en adelante yo me hice cargo de ella, le indicaba todo lo que tenía que hacer, a qué hora la recogían, la dejaban, etc. Empezamos a ser amigas, Un día la visité y descubrí las condiciones en las que vivía. Ella era una mujer cinematográfica de por sí. Cantaba todo el tiempo, era alegre pero fuerte, y sobretodo, su historia merecía ser contada.

C.L.B. Sin duda los premios le dan un impulso muy importante a este tipo de trabajos. ¿Qué quieres que siga en el camino de Mama Chocó?
D.K. Nos interesa mostrarla en todo el mundo. En Colombia ya hizo una gira con una muestra documental que se llama Otras ciudades, que llega a todos los rincones del país y relexiona sobre los temas de las películas. Queremos que la vean todos en Colombia y la estamos enviando a todos los festivales que nos sea posible. Eso es lo que sigue, ser visible.

C.L.B. ¿Cuál ha sido tu mayor satisfacción con este trabajo como documentalista?

D.K. Todo: el contacto con la gente, los lazos que se forjan, conocer realidades y lo que más me gusta, que es contar historias. Yo soy incapaz de inventarlas, el documental me permite hacerlo, me da la materia prima, me da infinitas posibilidades de narración, es muy rico en ese sentido; no se hace con afán y siempre lo sorprende a uno.

El otro soy yo

2010-12-19T18:00:00.006-05:00

Desde niña celebré la navidad viendo un pesebre, creí que el veinticinco con el Niño Dios llegaban los regalos y que le quitaba el empaque a los paquetes al tiempo con todos los niños del mundo. Este diciembre vuelvo a hacer el pesebre, entendiendo que una vida revolucionaria se celebra, y que más que por una religión está representada en todos quienes empiezan a pensar desde el otro para habitar un mundo en el que no se tiene exclusividad, en el que para armonizar se necesita alcanzar la conciencia de ser apenas un punto en el universo. Hoy con el video de Juan Sebastián Sánchez, Casi un objeto, y el texto que escribió como invitado para el cierre de esta temporada 2010 de cantalicia, sólo quiero pensar más desde el otro y compartirles mi deseo.

Siempre nos pensamos desde el otro, bajo los códigos y las expectativas que tiene de nosotros. Es algo tan común que el simple hecho de vestirse cada día es tomado como un modo de intentar expresar la individualidad, y hacerlo de ese modo lo que confirma es la relación que tenemos con él. Pensar desde el otro es algo más común de lo que parece, lo que deja de serlo es llevarlo al plano consciente; al escoger un determinado modo de expresarnos frente al mundo estamos a la vez buscando establecer un diálogo específico con él. De lo que no nos damos cuenta es justamente de esa relación recíproca que tenemos con el otro. Buscamos en el otro lo que nos permite diferenciarnos, hacernos únicos y expresar la diferencia, y, simultáneamente, lo que nos permite entrar en comunión con él, formar parte de un cuerpo homogéneo dentro de su variabilidad.
Pensar desde el otro siempre implica una mirada introspectiva, justamente porque el vínculo inherente que cada individuo tiene con el otro (o con los otros) obliga a observar cuáles son las formas en que se comunica con el mundo, qué rasgos propios proyecta y cuáles toma del exterior. Pensar desde el otro, en cierto sentido, implica hacerlo desde un yo desplazado, tomar un espejo y ver por dónde pasa la luz que intercede en nuestras formas. A diario, desde lo más superficial, como escoger productos y consumirlos, hasta lo más profundo, como nuestras maneras de apreciar e interactuar sentimentalmente con los demás, está configurado por cómo cada uno piensa que es percibido; la vida diaria sólo se modifica en lo mínimamente visible cuando se empieza a entender que cada individuo funciona de modos similares y cuya voluntad, a grandes rasgos, trabaja desde las mismas perspectivas. A diario el trato con los demás cambia porque pensar desde el otro significa también dejar a un lado la beligerancia de expresarse como autónomo por encima de todo. Pensar desde el otro es también intentar comunicarse mejor.
La amistad es la empatía que surge de los actos de representación que nos muestran indirectamente algún deseo proyectado, alguna frustración inconsciente, algún modo de llenar un vacío. Los amigos son una extensión de nuestro cuerpo y nuestra individualidad; lo que cada individuo es incapaz de hacer o expresar, muy seguramente tiende a buscarlo en sus amigos. A la larga, las amistades también configuran los modos en que nos representamos ante el mundo; lo entrañable de una amistad es lo que se puede sobrentender en los silencios, lo que no hay que evidenciar porque ya lo hemos encontrado en otros.
Juan Sebastián Sánchez
Bogotá, 2010.

Una luz diminuta surgió de la nada

2010-12-13T15:28:00.002-05:00

Visitar las librerías independientes siempre me conduce al encuentro de lecturas que no tenía planeadas y de nombres de escritores que ya no me van a sonar raros. La semana pasada estuve en Casa Tomada en el barrio Palermo de Bogotá. Pude hacer visita, probar una torta de amapola acabada de salir del horno, encontrar los libros que tenía en la lista y además llevar el que como imán me atrajo. Se trata de Una luz diminuta surgió de la nada, de Einar Turkowski, un alemán que ilustra en blanco y negro y escribe dándole color de inmediato a cada una de las escenas minuciosas e impresas en dos tintas.

El cuento está dedicado a la madre de todas las islas y describe el universo de la del señor Ribbleston, en donde tiene lugar la aparición de una planta inclasificable que le cambia los planes y los días. La hermosa edición es de Libros del zorro rojo y estoy segura que de niña me hubiera encantado pasar sus hojas lento, tanto o más que hoy.

nueva fauna en la fuente Costa Rica

2010-12-06T11:01:00.002-05:00

Llegó diciembre con lucecitas que se iluminan en las calles de la ciudad en la que vivo. Basta con que se empiece a oscurecer para que brillen los paisajes navideños, la gente salga a caminar más por las noches y los que van en carro bajen la velocidad por gusto u obligados por el gentío iluminado. Como con los fuegos artificiales, el alumbrado navideño hace salir de nuestra cara la sonrisa que teníamos a los tres años, y los andenes, el parque y la ciudad se vuelven de todos. Luego, en enero, volvemos a ser grandes otra vez (hombres de negocios) y la calle se queda en su mayoría de nadie.

La publicación de hoy tiene como protagonista un proyecto enfocado a los niños para que desde temprano sepan que la calle es de todos y el ocio es una inversión importante para toda la vida. Se trata de La Fabrica, el taller de arte para niños desde los tres años en Buenos Aires creado y liderado por la artista May Borovinsky y la terapista ocupacional Alejandra Guidardini.

C.L.B. La apropiación del espacio público ha sido el objetivo de muchos artistas, qué las motiva a tomar esta iniciativa con los niños y cuáles han sido sus principales descubrimientos en este proceso?

L.F. Producir un espacio que incentive a los chicos a no perder la capacidad creativa con la que vienen al mundo, desarrollándola desde un la lógica distinta a la de la educación formal, que permita pensar y abordar proyectos desde un lugar alternativo. La Fábrica convoca periódicamente a los niños a desarrollar proyectos en espacios alternativos. En cada encuentro tenemos un momento audiovisual donde presentamos distintas formas de producción artística, haciendo hincapié en las contemporáneas y en la actividad o tema a trabajar ese día. La idea de realizar una intervención urbana, se dio a partir de la interrelación con otro taller de arte de la ciudad, llamado La Bauhita, con la intención de organizar una actividad conjunta. Ellos eligieron una plaza del barrio Palermo, que tiene temporalmente su fuente de agua en desuso y allí se generó un proyecto que duró unos veinte días. La primera parte del mismo consistió en la construcción de criaturas marinas en papel, que realizaron los chicos en cada taller. Luego, el pasado 9 de noviembre nos conocimos y presentamos ambas producciones y le dimos el cierre a la acción de la plaza Costa Rica, dejando a las criaturas como habitantes de la fuente.

Durante el tránsito de esta propuesta nos ha sorprendido la capacidad que tienen los chicos para preparar una acción y la espontaneidad para enfrentarse a las grandes dimensiones y a los soportes no tradicionales, como si fuese algo cotidiano. Ha sido una hermosa experiencia, donde además se comprometen culturalmente con el lugar donde viven y se viculan con otros grupos que desarrollan similares intereses para compartirlos con toda la comunidad.

reconociendo los síntomas

2010-11-24T11:57:00.006-05:00

"... Hasta que al fin, encuentra a un hombre hacia el que se siente inclinada por un atractivo increíble y desconocido. Entonces olvida el mundo y cuanto le rodea; no oye, ni ve, ni siente más que a él; no cifra sus esperanzas más que en él, ni desea cosa que no sea él. No hallándose corrompida todavía por los falsos placeres de una inconstante vanidad, sus aspiraciones sólo tienden a un fin único: quiere pertenecer al ser amado, quiere asegurar por medio de un lazo eterno la felicidad que anhela y la suma de todos los goces a que aspira. Algunas promesas reiteradas confirman sus esperanzas, apasionadas caricias encienden sus deseos, y su alma toda se encuentra sumergida en ese mar de vagas ilusiones, en el presentimiento delicioso de todos los placeres desconocidos que la esperan. Exaltada, extasiada, tiende al fin los brazos para estrechar en ellos al objeto de su amor, y... no encuentra más que un fantasma... el objeto real ha desaparecido, su amante la abandona... Atónita, anonadada, si saber lo que le pasa se encuentra al borde de un abismo; no ve sino oscuridad y tinieblas a su alrededor, sin esperanza, sin consuelo. Aquel en quien cifraba toda su existencia, la ha abandonado. Ya no ve ante sí la inmensidad del universo; ya no ve a ninguno de los que la rodeay que podrían reparar esta pérdida; no ve sino a ella sola, abandonada de todos. Sus ojos se oscurecen, siente su corazón traspasado por un dolor insoportable, y se arroja al absimoen cuyo borde se encuentra, para sofocar en los brazos de la muerte los tormentos que martirizan su alma".

Fragmento de Las desventuras del joven Werther de Johan Wolfgang von Goethe.

Miedo y amor es el título de un proyecto que convoca a participar con dibujos en cualquier técnica, en hojas tamaño carta, y que desde el viernes 3 de diciembre estarán expuestos en Matik- Matik de Bogotá. Hoy hablo con Matilde Guerrero, quien hace parte del colectivo organizador de esta muestra:

C.L.B. ¿Cómo surgió la idea de MIEDO Y AMOR?
M.G. Me enamoré y tuve mucho miedo.
La idea de trabajar este tema surgió de la problematización de los dos conceptos, al comprenderlos como informes, la única manera de traerlos al mundo fue categorizándolos en palabras, después notar sus representaciones estereotipadas, entender la imposibilidad de aprehender de ellos y notar que sólo a través de los síntomas, de las emociones que suscitan, los pude atrapar. Un padecimiento emocionante que cambia el rumbo de las vidas en cuestión de segundos. La idea surgió a partir de conversaciones con Alvaro José Escobar, antropólogo de los Andes del que me enamoré y con la colaboración de Alejandro Mancera y Renato Vargas.

C.L.B. ¿Cuál es la motivación para trabajar en torno a estas dos palabras que suenan tan absolutas, que unidas son tan enfermas y separadas tan contradictorias?
M.G. Recordar el vértigo que se sentía cuando uno era chiquito y se le iba a caer un diente; la insistencia de la lengua empujando, aflojando las raíces de la encía, la sensación de ese pequeño dolor agudo con persistencia, el saber que se iba a caer pero que todavía no se había caído. Queremos hacer un paralelo entre sintomatologías, intentar encontrar lo similar entre lo sentido y su forma, comprender ese intento desde el principio como fallido, notar la imposibilidad, confrontar el deber ser del AMOR/ MIEDO con lo experimentado para apropiar la construcción colectiva.

C.L.B. ¿Por qué una convocatoria de dibujo y no de otras técnicas?
M.G. El dibujo es un lenguaje que permite probar, intentar. El dibujo obliga a una observación detenida, a poner líneas donde no las hay. El dibujo invita a verificar el cuerpo de MIEDO/ AMOR con lo que yace informe dentro de nosotros, invita a conocer las formas y los cuerpos del MIEDO/ AMOR adueñándose de ellas.

C.L.B. Una vez tengan todos los dibujos, ¿cuál es el reto curatorial para disponerlos en el espacio de Matik- Matik como escenario público?
M.G. La intención de hacer una muestra colectiva en un espacio ajeno al circuito artístico, es la de celebrar el acto social que es una exposición, es tomarse las cosas con ligereza, pero tomárselas, es paralela a la operación propuesta a los distintos dibujantes (tomarse las formas/ cuerpos del MIEDO/AMOR en un intento, sin intención ni posibilidad de dar una forma verificable de esas emociones. Es traer algo que puede ser sobrecogedor a un ambiente que puede ser familiar, y recordar que lo que es privado adquiere un carácter siniestro en lo público. El montaje de las piezas pretende evocar esa relación púbico- privado, a partir de la disposición de ellas en las páginas de un viejo álbum familiar.

lente submarino

2010-11-14T19:01:00.000-05:00

Que todo era mar y que con las formaciones montañosas de la cordillera los hilos de agua cambiaron su curso. Que antes la desembocadura del río Amazonas era cerquita a Pisco, Perú (sobre el Pacífico) y hoy es en Brasil sobre el Atlántico. El mapa de ayer no es el mismo de hoy y los ríos no cambian de curso solamente por las canalizaciones en línea recta y terreno parejo que suponen un desarrollo. Agua del Pacífico, la exposición de fotografía de Felipe Arturo tiene origen en el mítico mapa en el que el Amazonas desembocaba en el Oceáno Pacífico y es la disculpa para que el artista recogiera un poco de las aguas de la desaparecida desembocadura para vertirla en la actual y usar el recipiente contenedor del líquido de vida como filtro a través del cual registra su trayecto en las fotos que esta temporada ocupan las estaciones de Transmilenio de Bogotá, en su ruta Suba- Usme. A propósito conversamos:

C.L.B. ¿Por qué tu interés en trabajar sobre el río Amazonas?

F.A. Yo me acerqué al tema de la Cuenca del Amazonas desde una investigacion que hice sobre las economía del caucho en el siglo XIX. Esas lecturas me llevaron a pensar en el Amazonas como una región que ha sufrido un tipo de colonizacion, como el resto del continente, sólo que en la edad de la fotografía. También pude ver cómo la Cuenca ha sido representada desde entonces a partir del lugar común de lo salvaje, lo tropical y lo natural, en general haciendo de esas representaciones otro tipo de economía extractiva de la selva. Creo que la forma en que se producen esas fotografías típicas de la selva ha tenido mucho que ver con esa mirada exoticista del Amazonas. La idea de producir estas imagenes difusas, tomando el agua como un lente fotográfico, viene de la idea de llegar a una imagen matérica del Amazonas que evada cualquier precisión documental e instrumental. Para mi era muy

importante que mi proyecto no se convirtiera en una economía extractiva, por eso el agua que tomé del Pacífico la devolví al Atlántico y lo único que saqué del Amazonas fueron registros desenfocados de múltiples instantes a lo largo de un viaje.

C.L.B. Cuando me presentaste tu proyecto me gustó visualizar la imagen de un sólo mar, de un solo nombre del agua que ahora está demarcada contra su propia naturaleza líquida. Tu encierras el líquido en un contenedor y enfocaste a través de él produciendo alrededor de tres mil fotografías. ¿Qué descubriste en ese experimento?

F.A. El agua me interesa como un material informe, es decir un material cambiante y sin forma específica. El frasco de vidrio le da una forma y lo convierte en un lente fotográfico en el cual la realidad se invierte ópticamente. La relación entre el agua y el frasco es interesante en la medida en que el agua hace del frasco un lente y el frasco le da una forma al agua, como en un proceso de moldeado. Sucede lo mismo en la relación entre los ríos y la topografía del continente, en donde ambos se han modificado mutuamente desde tiempos prehistóricos. Cada río arrastra consigo la historia geológica de la montaña de donde viene y por eso cada río tiene un color, una densidad y una serie de partículas que funcionan como una especie de memoria topográfica. Para mi fue importante ver cómo el Amazonas es un sistema de aguas que colecta la memoria geológica de muchos lugares de Suramérica y cómo esta red de ríos ha sido intervenida desde hace un par de siglos por una red de ciudades en donde la cultura del colono está produciendo transformaciones en la región a una escala aún inimaginable.

C.L.B. Al final para la puesta en escena de tu serie de fotografías escogiste las estaciones del sistema Transmilenio de Bogotá, por qué decides ese y no otro espacio expositivo?

F.A. El ejercicio que está expuesto por estos días en Bogotá, a través del sistema Transmilenio, se hizo por primera vez en Shanghai en el 2008. En esa oportunidad, al igual que ahora en Bogotá, se hizo un mapeo del recorrido amazónico, a través del cual se realizaron las fotografías, sobre una plataforma urbana. Fuera de relacionar dos territorios aparentemente dislocados, el ejercicio busca invertir la relación entre región y ciudad: durante dos siglos hemos visto cómo el mapa de la ciudad se ha dibujado sobre el territorio de la cuenca, esta es una oportunidad de dibujar un recorrido amazónico sobre el mapa de la ciudad. En el caso de Shanghai, las fotografías se exhibieron y dispersaron, a lo largo de la ciudad, en frascos de agua recogida en los canales urbanos y ríos de la ciudad china. En el caso de Bogotá, las fotografías se adaptaron al tipo de montajes de los mapas informativos del sistema Transmilenio. En uno y otro caso se está relacionando el complejo sistema de aguas del Amazonas a un sistema de aguas urbano como en Shanghai o a un sistema de transporte como el de Bogotá. Agua del Pacíficio funciona como una especie de "archivo líquido" cuya forma se adapta al contenedor donde se exponga, tal cual como sucede con el agua.

el empleado del mes

2010-11-08T11:10:00.002-05:00

Todo empezó cuando se inscribió como empleado en Mc. Donalds. Luego de cumplir con un entrenamiento laboral de tres días, logra ser contratado y recibir un uniforme compuesto de gorro, moño, camisa y pantalón, para presentarse a trabajar el lunes siguiente, pero Javier Abreu nunca llegó a trabajar y se quedó con el uniforme como lo que él denomina "un botín de guerra", su indumentaria para las acciones performáticas que desde entonces comenzaría en su verdadero oficio, el de artista.
El próximo sábado 20 de noviembre a las 5 p.m. Abreu se presenta en la Bienal de San Pablo con su acción El empleado del mes y a propósito conversamos:

C.L.B. ¿Cómo surgió la idea de esta acción y que te motiva a llevarla a cabo en la Bienal de San Pablo?
J.A. Vengo trabajando con el asunto del Grupo de los 8 desde principios de este año y me pareció interesante hacer bombas dulces en esta Bienal.

C.L.B. ¿Qué encuentras enriquecedor en el trabajo de Andrea Fraser para que sea un referente en el tuyo?

J.A. La primera vez que estuve en París en 2003, pude ver su trabajo y desde ese momento la sigo por You Tube. El año pasado realicé una residencia artística en París cerca del Pompidou a donde iba todos los domingos a ver el archivo que allí tienen de su obra. Lo consulté una y otra vez. Ella es elegante pero politicamente incorrecta para el sistema del arte. Sus discursos son impecables.

C.L.B. Hay un fuerte contenido político en tu acción que abarca la relación individuo planeta. ¿Por qué crees importante tu llamado de atención?

J.A. No me gusta reinterpretar mi trabajo, eso es tarea de otros. Tampoco quiero darle adjetivos que puedan atarlo a ciertos discursos con los que no se si esté 100% de acuerdo.
Sin lugar a dudas esta es una Bienal donde la relación arte- política está sobre la mesa para ver qué conclusiones se pueden sacar. Yo realizo una simple acción, lúdica o un tanto irónica, pero propia de la personalidad de El empleado del mes, un personaje que ya tiene ocho años de transitar por el panorama artístico.
No busco que la gente se emocione cuando mira una de mis performances. No me interesan esas acciones micro teatrales de personas revolcándose por el piso o de mujeres desnudas gritando intentando revindicar su género, que no se dan cuenta que su público (masculino y femenino) les miran el culo para ver si tienen celulitis o el tamaño de sus tetas. Son patéticas, no conmovedoras. La performance más provocativa que puede hacer una mujer en estos tiempos es momificarse.
Mis performances son un paréntesis, quince minutos donde no hay tiempo ni lugar, un recreo como en la escuela, y son muchas las cosas que todos hemos aprendido o enriquecido en los recreos. Podés disfrutar mi acción sin remordimientos, basta de sentirnos culpables para ser felices. Claro, está el subtextode la performance, pero eso es para discutir cuando te vas con tus amigos luego de verla al bar de la esquina. Eso ya escapa a mi responsabilidad. Todos tenemos la responsabilidad de pensar.

C.L.B. ¿Qué sigue en tu trabajo después de esta participación en la Bienal?
J.A. Estoy realizando una serie de objetos pequeños, una suerte de micro esculturas, yo lo llamo manualidades, me gusta llamarlo así para desacralizar la obra, con esa factura de mal realizado o inacabado. Pero es mucho más difícil hacer algo feíto que una obra bella, porque los cánones de lo bello los practicamos a diario, pero lo sublime de lo feo no. No todo el mundo lo puede leer con facilidad y disfrutarlo. La ironía no es para el gran público, al menos no en mi pueblo.

we live in public

2010-11-06T10:24:00.005-05:00

Recuerdo mi confusión mientras veía la película: ¿vida o sueño, realidad o ficción, locura o cordura, vanidad o Dios, naturaleza o arquitectura efímera? las preguntas han vuelto cada vez que he repetido The Truman Show.
Esta semana se lleva a cabo en Buenos Aires Artfutura y uno de sus invitados es quien motiva mi publicación de hoy. Se trata de Josh Harris, quien recuperado de la locura de ser conciente de disponer su vida al público, es protagonista del documental We live in public, una pieza audiovisual producto de cinco mil horas de grabación de cada segundo de su vida que hoy hace parte de la colección permanente del MoMA y es protagonista en la programación del festival de cultura y creatividad digital que ocurre en Buenos Aires.
Los dejo con los dos trailers para que resuelvan qué fue primero, la ficción o la realidad.

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el viaje y su sentido

2010-10-31T15:01:00.004-05:00

dedicado a Cristi.

Viajé lejos con la esperanza de encontrar algo que me cambiara la vida, pasaban los días y no sentía que algo produjera la gran transformación que me había motivado a tomar un avión lejos de casa. Por supuesto tuve que volver para recordar, paso a paso el camino a la estufa.

"... un día el rabino Aizik de Cracovia, que vivía en extrema pobreza, soñó que debía hacer un viaje a Praga porque debajo del puente que conducía al palacio encontraría un tesoro.
Como el sueño se repitió varias veces, Aizik partió a Praga, pero una vez en el puente no se atrevió a excavar porque había muchos centinelas vigilándolo. Se quedó rondando por allí y, al final, el capitán de los centinelas se le acercó para preguntarle qué quería. Aizik le contó su sueño y el capitán se echó a reir, pareciéndole una tontería hacer caso de un sueño y refiriéndole a su vez el que él había tenido: en la casa de unrabino de Cracovia llamado Aizik se ocultba un tesoro debajo de la estufa. Aizik se despidió de él rapidamente y, en cuanto llegó a su casa, se puso a excavar debajo de la estufa y allí estaba el tesoro."

I want to break free

2010-10-23T11:02:00.003-05:00

Anoche mi banda sonora aleatoria me dejó oir una canción que no me ponía hace tiempo. Me acordé que me gusta mucho, la repetí y luego volví a ver su video. Terminaba mi jornada de trabajo habiendo recibido noticias de Claudia Calle, la fotógrafa colombiana radicada en Miami hace diez años, que recibe esta semana el primer premio en la categoría Fine Art: collage pro del IPA, International Photography Awards, y yo mientras celebraba oyendo de Queen, I want to break free.

A Claudia le tomó casi un año digerir un mes de recorrido por China y llegar a la serie Republic of China con la que ganó el premio y que hoy nos presenta:

C.C. Visitar la República China causó un gran impacto en mi, no sólo por su fascinante cultura e historia, sino también porque pude ver un fenómeno socio- económico que antes era invisible a mis ojos. Descubrí la naturaleza de la explotación oculta tras las relaciones comerciales; el inversionista desembolsa una suma de dinero para adquirir fuerza de trabajo humana, presionando al obrero a trabajar más allá del tiempo acordado (muchas veces de una manera infrahumana y a cambio de salarios insignificantes). Como consecuencia al excesivo horario laboral se están aislando las familias en las que "el hijo único" crece sin el cuidado de sus padres.

La ilimitada sed de enriquecimiento va más allá de los valores, y lo más triste, es que los chinos están destruyendo el ecosistema de sus nuevas y próximas generaciones. La nueva generación china adopta cada vez más la identidad y el estilo de vida occidental, se está olvidando de los métodos y raíces ancestrales; sueña con comprar un auto nuevo y con usar ropa de las marcas extranjeras que se producen en su propio país. Esta ilusión de progreso está cambiando su "long life" por una corta, solitaria, insalubre y estresante vida.

En gran parte de mi obra uso pedazos de madera como base, cada veta hace una pieza única y diferente a la otra. De esta misma manera percibo a los orientales; aparentemente se ven iguales pero cada uno es único.

Intervengo mi obra con fotografías, fotocopias, repetición de imágenes, simbología y diferentes técnicas de impresión.

Por muchos años he criticado a China pensando que sólo hacen copias baratas, sin darme cuenta que casi el 80% de las cosas que uso y consumo a diario son hechas en China y que en ellas está viva la energía de trabajo de muchas manos y el sacrificio de mucha gente.

Con mi obra me hago consciente de que estas personas que trabajan diariamente en estas manufactureras sólo reciben órdenes, no son robots, son seres humanos.

China es una nación que crece a pasos sileciosos y agigantados. Cada día me sorprende más su inteligencia menospreciada y poco a poco el monstruo de la "fortune cookie"se va apoderando de la otra mitad del mundo". Este trabajo es en honor a todas aquellas mujeres en el mundo que no tienen el privilegio que yo tengo de expresarme libremente.

Necesarius vivir de lo que se hace

2010-10-18T15:51:00.002-05:00

El sueño de muchos es vivir de lo que nos gusta hacer. Cuando el camino elegido es el del arte, es bien complicado llegar a hacer parte de una vitrina comercial para fortalecer la industria cultural y el intercambio artístico en el mundo, siguiendo el estilo propio y un discurso construído, pero sin caer en la fórmula que asegura la fama y mata el reto de seguirse reinventando. Hoy converso con Adriana Marmorek, una artista que en su camino de exploración del mundo femenino, sus clichés, escondites, deseos y reflejos participa desde este 22 en ARTBO, la Feria Internacional de Arte de Bogotá.

A.M. Duele decirlo, luego de diez años de estar dedicada al arte no puedo decir que vivo de lo que me gusta. Ha sido una apuesta que sin duda va más allá de un "negocio". Hablando claro, no he llegado al punto de equilibrio... y es vital garantizarse la sostenibilidad, porque cuando miras artistas que están en sus setenta años, muchos de ellos no han logrado un reconocimiento en vida y existen como artistas, gracias a otros medios de sustento. Es algo que no se enseña en las universidades. ¿Qué hacer para lograr y mantener la sostenibilidad y poder perdurar en el tiempo sin que la ocupación que te genera el poder lograr ingresos constantes que no te saquen del arte? Llega un momento en tu vida, hijos, responsabilidades económicas, etc., que hacen que la prioridad sea pagar tus cuentas. No le tengo miedo a que mi trabajo se comercialice, de hecho quienes no se consideran comerciales, terminan siéndolo a otro nivel: el de las instituciones y museos que en últimas también hacen una transacción comercial. Por ningún motivo me voy a permitir caer en un lugar muy comercial. Mi trabajo no es muy comercial, y eso me encanta. Así puedo como dices, re-inventarme todo el tiempo.

C.L.B. ¿Cómo llegaste a ser parte de la selección se artistas participantes en ARTBO?

A.M. Empecé por ser seleccionada en el primer salón de artistas jóvenes hace cinco años.

C.L.B. Es complicado llegar a avaluar y entender cómo se pueden comercializar instalaciones y videos, ¿Cómo es ese proceso de comercialización e intercambio de obras en este tipo de soporte?

A.M. Las instalaciones son muy poco comerciales y las video- instalaciones generan en los coleccionistas incomodidad. El solo hecho que la pieza tenga que ser encendida y apagada, para algunos es un problema. Algunos coleccionistas especializados se han ido familiarizando con los formatos que implican una relación activa con el soporte, y luego simplemente, aman sus piezas.

C.L.B. ¿Con cuáles trabajos estás participando en ARTBO, puedes describirlos?

A.M. Estoy participando con una video- instalación que acabo de desmontar del primer premio bienal de Bogotá. "Lip-Stick" con LA Galería y en la galería argentina Dabbah- Torrejón tendré "Necesarius", una intervención sobre un neceser de los años sesentas.

C.L.B. ¿Qué sigue en tu trabajo después de ARTBO?

A.M. Tendré una exposición colectiva en LA Galería, estamos entrando a impresión con el libro del proyecto IN- Situ (habitación propia) y rematando el año, expongo en una colectiva con Rincon Proyects en N.Y.

como indio por su selva

2010-10-13T16:47:00.003-05:00

A Nicolás lo conocí en persona los primeros días del año pasado gracias a Clare. Al final de mes me mandó una serie de ocho correos presentándome una cuidadosa e impresionante selección de fotos, después de haber pasado y paseado una temporada en compañía de su bicicleta Amarilla por la selva amazónica, y de haber atravesado las fronteras de Colombia para explorar un poquito de sur. Me impresionó que fuera un ciclista que detuviera su pedaleo y cámara en el insecto aplastado sobre la carretera, en los movimientos del agua y en los microcosmos de plantas que me acuerdan de Bossfeldt. Desde ese entonces él quería que pasara algo muy bueno con sus fotos, y el próximo viernes 22 a las 11 a.m., hora india, gracias a la Embajada de Colombia en Nueva Delhi, las fotos de Nicolás Van Hemelryck dejan de ser honor exclusivo y se vuelven de todos los visitantes a amazing amazon en el India International Centre.
A propósito conversamos:

C.L.B. ¿Qué hace un indio amazónico en Delhi?
N.VH. Que un cavernícola como yo esté en Delhi no se debe a otra cosa que a los designios del destino: suerte. Sin embargo no considero que la suerte sea algo pasivo, que te llega, sino activo: la creas. El mundo está ahí afuera esperándonos, si llamamos, a veces nos contesta. Si damos, a veces recibimos.
A Delhi vine oficialmente con una beca para un taller de diseño. Pero esa era una disculpa. La realidad me tenía muchas sorpresas y vine a dejarme sorprender y a recibirlas: esta exposicion, Raghu Rai, Graciela Iturbide y Maya Goded; mucha comida india, algunas cocinas y cocineras; un país donde todo es sagrado, porque la vida es sagrada; templos, ritos y mitos, muchos dioses y santos (en especial Nizamuddin) pero sobre todo, cientos de millones -literalmente- de indiosque me sonríen y me invitan a pasar. Yo entro.

C.L.B. Tuviste que dejar la bicicleta en Bogotá, ¿Cuál ha sido tu principal medio de transporte y cómo has cambiado la dinámica como fotógrafo sin bicicleta en este nuevo viaje?

N.VH. Yo tenía claro que apenas llegara a Delhi iba a comprar una bici. Siempre me han encantado los modelos indios y ha sido mi manera natural de conocer los lugares. El primer día salí al amanecer y cogí un bus hacia el centro. Fue en ese momento cuando me di cuenta que esta ciudad es gigantesca y que la bici era insostenible para esta etapa en la que me dedico a recorrer toda la ciudad. Además estábamos en el final del monzón y el clima variaba entre las tormentas y el calor. Y para terminar, cinco días después de haber llegado, inauguraron una línea de metro que me conecta desde la casa con el centro y la mayoría de lugares de mi interés. Aunque la bicicleta es perfecta para las ciuadades, usar otros medios me ha permitido entender los diferentes ritmos de una ciudad como esta y estar en contacto con la gente. Casi siempre camino, y cuando camino, camino mucho, pero acá todo es muy lejos, así que uso el metro o el bus para las distancias gigantes, el tuk tuk (mototaxi) para las medias y el rickshaw (ciclotaxi) para las cortas. En India hay demasiada gente, sobretodo en Delhi. Cualquier medio de transporte masivo significa lucharse la entrada. Una vez me meto al bus o al metro, todo fluye de una manera extraña. Y para hacer fotografías caminar es muy práctivo. Tengo que confesar que continuamente me sorprendo mirando, detallando, y a veces, deseando las bicicletas de los demás.

C.L.B. ¿Cómo surgió la idea de exponer tus fotos del Amazonas en Delhi y qué ha significado para ti este acontecimiento?

N.VH. Con el tiempo he aprendido que uno no debe forzar las cosas. La exposicion de las fotos es algo que invoqué, pasó y dejé que pasara. Antes de viajar escribí a las embajadas -colombiana y belga- un corto comunicado saludando, presentándome y dando a conocer el motivo de mi visita. Normalmente la gente acude a las embajadas sólo cuando tiene problemas, a poner problemas. Ellos agradecen el hecho que uno salude y ofrezca sus servicios antes que pedir favores. Además, siempre aprecian ver gente de la tierrita. A finales de octubre habrá un gran evento en India International Centre sobre los bosques en el mundo. Una parte será organizada por los países miembros de la Amazonía, entre ellos Colombia. India está muy orgullosa de su selva, pero no conoce la nuestra. Este evento pretende presentar esa región del país. Gracias a la red, donde los mortales podemos crear y proponer contenidos, y donde todo está vinculado, conocieron mi trabajo y quisieron exponerlo en el evento. Ana, otra colombiana que vino al taller, diseñadora y curadora, se unió al equipo de trabajo. Para la impresión utilizamos un taller recomendado por Raghu Rai y algo similar para los marcos. Así que todas las piezas encajaron.

C.L.B. Después del tiempo que llevas experimentando India, ¿cuál crees que sea el sentido de hacer tu primera exposición individual allá?

N.VH. Acá vine por casualidad, aunque sé que nada es fortuito, este viaje es otra etapa de eso que se convierte en la vida y que afortunadamente aún no sé que será. En India no tengo los referentes que cargo en el lugar donde crecí, acá nada está predeterminado. Así que me invento desde ceros y cada día me reinvento. Todas las decisiones que tomo están determinadas por mis instintos, mis intereses y las casualidades diarias. Acá mi vida depende de lo que realmente soy, y cada día puedo entenderme un poco más. El valor de estar en un lugar distinto es que todo lo que tienes te lo ganas día a día, no heredas nada y nadie decide por ti.
El sentido de esta exposición es la afirmación de que el modelo de vida que he escogido, aunque es difícil e incierto, funciona. Mientras uno haga las cosas con respeto, responsabilidad y honestidad, comprometido con el trabajo y no con los resultados, la vida misma se encargará de que pase lo que tiene que pasar. Es cuestión de confianza, traquilidad y sacrificio: ni hay verdad ni hay nada escrito, y eso es maravilloso, porque es posible crear verdades y creer en ellas.

maquillar para descubrir

2010-10-12T08:35:00.002-05:00

Qué son las arrugas sino las líneas que dan cuenta de cómo pasa el tiempo por nuestro cuerpo o cómo nuestro cuerpo pasa el tiempo. No es igual tener arrugas en el ceño o en el contorno de la boca. Pero no voy a hablar de la decisión que cada quien toma sobre sus arrugas, al fin y al cabo son eso, asunto tuyo o mío. Con la protagonista de la publicación de hoy vienen a mi mente las arrugas de las ciudades, sus grietas, marcas y cicatrices, las imponentes fachadas arquitectónicas que como cápsulas de tiempo nos conducen a entender que pasó tanto para estar aquí y ahora, las casas de apenas una o dos plantas que aunque estén en vía de ser declaradas patrimonio histórico son más rentables si se dejan caer y desaparecen.

UTOPIA

Seis fotografías digitales

30 x 40 cm. c/u.

2005

La semana pasada se dio comienzo en Córdoba, Argentina a ¡AFUERA! ARTE en Espacios Públicos, bajo la curaduría de Rodrigo Alonso. Entre los artistas en Residencia está la colombiana Milena Bonilla, quien intervendrá la fachada lateral del edificio donde funcionó el Museo Nacional de Bellas Artes de Códoba: "Lo que voy a hacer es trabajar con un grupo de grafiteros repisando todos los grafitis que ya existen en el lugar junto con el anuncio del MNBA. La intervención es un trabajo de maquillaje, de calco y repetición de todas las señales que han crecido en el espacio desde que el Museo no existe y fue abandonado. Como podrás darte cuenta, es un comentario sobre el "Museo de Bellas Artes" y la ideología de lo que implica Lo bello. Es un ejercicio sencillo pero que requiere mano fina y unas buenas horas de trabajo".
Milena Bonilla.

Guardar

2010-10-09T21:08:00.024-05:00

SIN TITULO. DE LA SERIE "SUBLIMACION".

ESTAMPA DIGITAL

FELIPE BARRAGAN

2009

¿Por qué compartir o no lo que se produce?, ¿por qué decir o no lo que se opina?, ¿por qué acumular en un lugar propio o publicar en un lugar más que propio?. A veces se decide poner a disposición de muchos lo que no le importa sino a uno, otras se decide encerrar lo que daría luces a otros en la misma ruta. Supongo es importante plantearse el dilema: ¿esconder o publicar?. Hace un par de semanas Adriana, una amiga que quiero mucho me mandó desde lejos un regalo que alegró mi semana, busqué a Antonio Cicero, autor del poema, le pedí que me contara lo que le impulsó a escribir y a publicar Guardar. No hablo portugués, pero leyendo la traducción del poema al español, entiendo su explicación y a canción linda me suena:

A.C. Como no es bueno mi castellano, contaré en portugués como me ha venido "Guardar": Normalmente, demoro a escrever um poema. Escrevo, apago, reescrevo. "Guardar", porém, veio num jorro [chorro]. Creio que já estava pronto lá dentro e, de repente, saiu. Demorei muito a publicar meu primeiro livro de poemas. Guardava meus poemas numa gaveta. Aos poucos, perdeu-se a maior parte deles. Alguns desapareceram fisicamente; outros passaram da época. Em parte, "Guardar" vem do fato de que me dei conta de que os poemas que realmente se haviam guardado não eram os que eu guardara na gaveta, mas os que publicara, os que lançara no mundo, os que jogara [los que había botado] fora, no mundo.

Um abraço,
Antonio Cicero

GUARDAR

Guardar una cosa no es esconderla o encerrarla. En cofre no se guarda nada. En cofre la cosa se pierde de vista.

Guardar una cosa es mirarla, fijarla, mirarla por admirarla, esto es, iluminarla o ser iluminado por ella.

Guardar una cosa es vigilarla, esto es, hacer vigilia por ella, esto es, velar por ella, esto es, estar despierto por ella, esto es, estar por ella o ser por ella.

Por eso se guarda mejor el vuelo de un pájaro

Que pájaros sin vuelos.

Por eso se escribe, por eso se dice, por eso se publica, por eso se declara y declama un poema:

Para guardarlo:

Para que él, a su vez, guarde lo que guarda:

Guarde lo que sea que guarda un poema:

Por eso la jugada del poema:

Por guardarse lo que se quiere guardar.

Traducción de Adolfo Montejo. In: MONTEJO, A. (organización, traducción y notas) Correspondencia celeste. Nueva poesía brasileña (1960-2000). Madrid: Árdora Ediciones, 2001.

La Stargate

2010-10-03T13:19:00.001-05:00

Esta semana, el 7, empieza IN-SONORA, la sexta versión de una muestra de arte sonoro interactivo que estará en diferentes sedes institucionales de Madrid hasta el 5 de noviembre. Producto de una convocatoria pública internacional se presentan más de treinta propuestas de artistas de todo el mundo. Hoy este espacio abre comillas para que Carolina Caycedo, la artista colombiana de la lista, describa La Stargate, el proyecto con el cual participa y sigue haciendo una labor cartográfica y documental de los lugares del mundo que recorre, mientras esparce ondas sonoras hasta las estrellas.

"Tomando como pretexto la noción física del sonido como ondas sonoras que se propagan y pueden atravesar el espacio tridimensional, podemos pensar en esa capacidad del sonido de viajar, de transportarse; podemos construir una representación poética del sonido bajo la forma de una nave móvil que se traslada, y que en un intento utópico rebasa incluso las leyes físicas, para alcanzar resonancias en el espacio sideral, en el cosmos, allí donde habitan las estrellas, las constelaciones. La Stargate es una nave que supera fronteras, países, esquinas de barrio, llevando y trayendo conversacione, confesiones, historias, paisajes y música que nos conducen también al encuentro de personas, lugares y situaciones. La Stargate ofrece una manera de descubrir la zona de Legazpi a través de sus sonidos. El viaje de la Stargatees un proceso cíclico: se graban los sonidos del barrio para luego devolverlos a través de pequeños espejos. Las intervenciones sonoras en distintos puntos del Paseo la Chopera, funcionan como pequeños espejos que reflejan el barrio. El mapa sonoro instalado en el espacio de Intermediae, es un espejo que no repite el plano geográfico del barrio, sino que crea una cartografía abstracta en la que ocurre una refracción del macro/micro cosmos que trata de representar a través de un paisaje mental de los sonidos de este trozo de la ciudad escuchado en detalle, y que puede volver a recorrerse en La Stargate".

un mugido desde el sur

2010-09-30T20:06:00.004-05:00

"Estoy rumiando una idea" suena a que lo estoy analizando, a que necesito mi tiempo para pensarlo bien mientras otro u otros esperan mi conclusión, mi respuesta; un mugido. Lo generoso es entonces no quedarse rumiando y lanzar el tan esperado Muu.

Termina la semana y comienza el mes con el lanzamiento de MUU+, una publicación trimestral en línea, producto de la rumiadera de varios artistas argentinos de diferentes disciplinas, bajo la dirección editorial de Adriana Morán Sarmiento de La Vaca Mariposa. El colectivo de trabajo no espera a ser parte de la movida tradicional artistica argentina para crear movimiento y desde él generar sus propuestas y puntos de vista. Hoy le hago eco a este mugido independiente y le deseo vida y visitas de todas partes del mundo desde este viernes 1.

a la vuelta de la esquina

2010-09-27T23:39:00.001-05:00

Hace unas semanas recibí de DiBiNa la invitación a la inauguración de la nueva sede de Antigua Casa Haiku en Barcelona. Como me pasa cada vez que recibo una noticia procedente de allá, llega el flashazo de la ciudad de los prodigios que tuve la fortuna de conocer y de vivir. Mientras puedo volver a visitarla recibo las noticias de los amigos que la viven, la sienten y la transforman con esas cosas que un día, hace tiempo, y en Colombia soñaron hacer. En la ballena, como llamo Barcelona desde que la conocía mientras leía la novela de Eduardo Mendoza, siguen teniendo efecto los sueños con los que nos tragó un día. Cuando Alex Brahim y yo nos conocimos trabajando en una película, nos contábamos eso que queríamos y parecía más ficción que la que estábamos recreando; él quería trabajar con artistas y ojalá tener una casa para recibir muchos invitados. Por estos días sigue inaugurando la nueva sede de su sueño un día y sobre eso hablamos:

C.L.B. ¿Hace cuánto funciona la Casa Haiku y qué significa para DiBiNa la participación activa en este proyecto cultural en Barcelona?
A.B. Antigua Casa Haiku nació en 2008 y desarrolló actividades en su local inicial hasta octubre de 2009, cuando le hicimos "el funeral" a esa primera sede. Trás unos meses de silencio hemos regresado a un espacio, literalmente a la vuelta de la esquina del anterior, que inauguramos con los videos de Juan Pablo Echeverri. En un momento tan delicado como el que atraviesa el arte y la economía social en España, resulta gratificante formar parte de los motores que procuran que la rueda siga girando. Además, pese a estar hiper- poblada de creadores en todas las áreas, en Barcelona la movilidad y la visibilidad siguen estando limitados a ciertos circuitos, bastante estancados por cierto, donde los personajes activos son los mismos desde hace mucho tiempo y que poca relación tienen con otros círculos, generaciones y estamentos. En este sentido la apuesta del programa incluye claramente diversidad de planteamientos, formatos y temas; facilitación para emerger a propuestas que no encuentran sitios para emplazarse en los circuitos de exhibición y una hibridación tanto en las disciplinas que se acogen, como en el público que las recibe.

C.L.B. ¿Cómo y por qué nació la idea de invitar a Juan Pablo Echeverri a la inauguración de la segunda sede de la casa?
A.B. Con Juan Pablo nos conocemos y hemos colaborado desde hace años. Pese a la distancia siempre he estado al corriente de su proceso de trabajo y cada vez que ha pasado por Barcelona procuramos hacer alguna acción o presentación. Esto, sumado a que algunas revistas españolas y barcelonesas le han publicado, ha hecho que tenga una masa crítica de seguidores en estas latitudes. Puesto que su viaje estaba planeado, ya había incluído la acción con él como parte del programa. Luego coincidieron exactamente las fechas, más bien por casualidad y lo ví muy claro: era la ocasión para que el trabajo de Juan Pablo pudiese estar en un marco más preeminente que los que hasta ahora había tenido en Barcelona. Se lo propuse, le encantó, y una vez más compartimos una grata aventura personal y profesional: la presentación de un trabajo con el que la gente salió francamente encantada.

C.L.B. ¿Podemos ver un pedacito de la animación Del Closet?
A.B. Si, es la intro del sitio de Juan Pablo http://www.juanpabloecheverri.com/ En Antigua Casa Haiku la pusimos en retroproyección en el marco de una puerta muy grande y a tamaño real, así que Juan Pablo parecía levitar dando vueltas en medio de ese lugar de paso.

C.L.B. ¿Con qué proyectos sigue DiBiNa?
A.B. Además del programa completo de este año de Antigua Casa Haiku que hasta febrero de 2011 incluye cuatro exposiciones, una batería bastante nutrida de acciones efímeras y algunos proyectos en línea, preparo CUVO, un "autoejecutable" experimental con siete performers de primera para Matadero Madrid en diciembre, y un congreso de directores de centros y plataformas de producción artística de todo Europa, en el marco del festival Europes en noviembre. Igualmente en una semana se inaugura OT, un proyecto bajo mi tutoría en el marco del programa de este año de la Sala de Arte Joven de la Generalitat de Catalunya y para cuya próxima convocatoria estaré como jurado. Como siempre, escritura de textos y colaboraciones, charlas en escuelas y universidades, mucho trabajo interno en proceso permanente con los artistas allegados a la plataforma... Y claro, varias propuestas pro- activas y conspiraciones de las cuales hablaré cuando acaben de cristalizarse.

Traficando carteles

2010-09-21T14:59:00.014-05:00

"...En la selva tropical, la vida se desenvuelve de modo cuantioso. Allí, crecen los árboles gigantes, las sinuosas lianas y unas plantas de increíble belleza. En cuanto a los animales que viven allí, hay un sinfín de grandes y microscópicos. Hay unas aves multicolores que no se parecen en nada a los de otras zonas del mundo. No hay ninguna tan bonita como el denominado colibrí. En sus plumas aparecen conjugados todos lo colores del arco iris en los matices más vivos que un artista puede imaginarse..."

Empezando el año escribí lo que podría ser la parte uno de la conversación a larga distancia con Bastardilla que esta semana presenta en la Librería Traficantes de Sueños de Madrid sus carteles y fotos de Memoria Canalla:

C.L.B. ¿Cómo surgió la conexión entre Bastardilla y Traficantes de Sueños?
B. Como surgen los encuentros afortunados en la vida, por una cadena de amistades; Héctor Arenas A., un amigo escritor que deviene con su valiosa labor entre España y Colombia, me presentó en Bogotá a uno de los traficantes de sueños, a Rodrigo. Por esos días justamente estaba montada "Memoria Canalla" en el Museo de Bogota, y ya antes Héctor había sembrado en Rodrigo la inquietud de realizar una colaboración entre Traficantes y Hogar. Así que fue muy bonito comenzar a idear la muestra de carteles y registro fotográfico dentro de un espacio tan especial como es la librería Traficantes de Sueños.

C.L.B. ¿Por qué crees que es importante compartir con España Memoria Canalla?
B. Hay muchos mensajes anónimos y de colectivos que están en la calle pidiendo ser compartidos y visibilizados no sólo en ella. A través de los graffitis se puede ver por ejemplo: "Viva la lucha de los corteros", "Minga social y comunitaria", "La mafia continua 2010- 2014", "No más santos positivos" o "Congreso de los pueblos, caminemos juntos". Y movilizar estas imágenes de manera física hasta otros puntos del mundo, creemos, sigue siendo importante para contrarrestar la invisiblización de varios asuntos que ocurren en Colombia. Aunque de primerazo quizás se lean estas consignas e imágenes como simples titulares, que pueden ser reinterpretados a conformidad, creo que estos alcanzan a sugerir o a inquietar a quienes desean saber más de lo que se piensa y se hace en Colombia. Así que para retroalimentar la muestra en la librería del 21 al 24 de septiembre, también se están realizando una serie de charlas que se pueden ver vía internet con el nombre de "Jornadas sobre Colombia".

C.L.B. ¿Por qué la decisión de recurrir al cartel como medio de difusión y la acción de empapelar las calles de Madrid?
B. El cartel es un medio muy práctico al momento de intervenir los muros porque se pueden hacer cosas muy detalladas en las que te puedes tomar el tiempo que desees y luego se pega en cuestión de pocos segundos o minutos. Un cartel puede durar tanto como cualquier otra expresión autónoma en la calle, sólo es cuestión de suerte con el entorno y de pegarlo con buen engrudo (el casero funciona muy bien). La idea con los carteles que ahora están dentro de la librería es pergarlos no sólo en Madrid, sino también en Inglaterra y Portugal. Estuve trabajando en ellos unos meses atrás y espero que puedan conseguir un buen hospedaje en estos países.

C.L.B. Por último, me gustaría saber ¿Cuál ha sido el mejor encuentro que has tenido en esta articulación con Traficantes de Sueños?
B. Lo más interesante ha sido conocer directamente personas y propuestas muy sólidas. En Madrid la toma de decisiones desintitucionalizadas y del goce colectivo es bien fuerte. La gente se asocia con fines comunes de manera masiva e individual logrando articular y acrecentar con los años muy buenas propuestas, y en este caso, la librería asociativa Traficantes de Sueños es un ejemplo muy bonito, porque no sólo distribuye y edita textos especiales, sino que también congrega, ingenia y apoya la realización de acciones con un alto nivel ético.

corriendo el riesgo

2010-09-14T19:57:00.003-05:00

El viernes abrí el empaque de cartón y saqué con cuidado las tres partes. Permanecen en un desorden que yo entiendo sobre la mesa y creo que allí seguirán el tiempo que me tome en pasar con calma cada hoja. Ya había descargado el pdf de Haga como que de díasfríos.org, y había compartido mi encuentro desde este espacio, pero manipular la publicación impresa en gran formato, me remontó a épocas de lectura de periódico en la cama, de sección de cines doblada para que cupiera en el bolsillo, y a la destreza que envidiaba de quienes lograban avanzar en su lectura del periódico sin volverlo un ocho.

Ayer recibí las respuestas de Zenaida Osorio a mis preguntas sobre esta publicación. Después de leerlas decido que no la presento como autora, ni maestra, ni artista, sino como la mujer que un día conocí de viaje y que desde entonces, me dice franca las cosas, contestando, pero dejando tantas preguntas.

C.L.B. ¿Cómo fue el proceso creativo que dio origen a esta publicación?
Z.O. Te daré una respuesta un poco larga y en la que reflexiono la pregunta misma. A menudo, quizá por estar en una Facultad de Artes, he reflexionado la pregunta sobre los procesos creativos. No solemos preguntarnos cómo fue el proceso de arreglar tu casa, lavar tu baño, hacer tus compras, meter las sábanas debajo del colchón para tender la cama. Tampoco consideramos bajo la idea de el proceso creativo el hacer de una panadera, de un zapatero, de una modista. En casos como estos la pregunta por el proceso creativo es rarísima. Pero si además se respondiera con palabras escritas, la respuesta tomaría un sentido distinto -incluso opuesto- al que es hacer algo: tomaría un sentido discursivo. Es ese el riesgo que tengo presente cuando pregunto o me preguntan, cuando pienso en términos del proceso creativo. Roland Barthes decía que considerar algo obra, ya era volverla tal, y que esa era una manera de pensar de un grupo de personas muy particulares, educadas en la universidad y que se consideran a sí mismas de cierta manera. Idea que comparto.

Pero hay otro riesgo, en otro sentido. Preguntar por los procesos, por los detrás de cámara, por los bocetos, es un hábito de la vida académica y de la vida artística encaminado, en mi opinión, a enaltecer la figura de los académicos o de los artistas. Sólo hacemos nuestro trabajo, lo que sabemos hacer. Como cualquier otra persona, pero parece que valoramos distinto ese trabajo, tenemos otra expectativa para comprenderlo. Parece que artistas y académicos hicieran algo especial. Escribir o hablar sobre los procesos creativos, los convierte en una ficción ordenada de una sola manera: en el caso de que se escriba, algo parece que vino primero porque está en la primera línea, algo sucedió después porque está unas líneas más abajo. Sin embargo sabemos que no son así como se dan, sabemos que la versión que damos de cómo fueron, así seamos supuestamente las autoras de los procesos, es una invención. Eso no es malo, pero vale la pena no confundir la invención con la cosa en sí. Los procesos suenan rimbombantes a menudo y complicados, y el hacer es distinto. Son rimbomantes no sólo con palabras como ya dije (memorias, testimonios, entrevistas) sino con imágenes (bocetos, sketches, libretas de trabajo o bitácoras, se convierten en objetos de exposición). Sin embargo creo que son más rimbombantes cuando de palabras se trata. Me inquieta el logocentrismo que lo atraviesa casi todo. Por eso si me das la oportunidad de hablar o escribir, intento hablar o escribir, pero no para explicar lo que he hecho de otro modo. En el ensayo que incluyo en Haga como que esa es la primera reflexión. Se titula "explíqueme qué significa esto". Deseo pensar el ¿por qué buscamos explicación? ¿Qué esperamos de ella? ¿En que consiste explicar algo? Relaciono esto con las entrevistas pero, sobretodo con la práctica académica y periodística (titular, pie de foto).

Y lo que uno diga de su propio hacer no tiene más importancia que lo que diga cualquier otra persona sobre ese mismo hacer. No comparto la idea de autoría y más cuando la estudio histórica y teoricamente. Para mi redactar los créditos es problemático, casi mentiroso, lo hago sabiendo que vamos a participar de un juego como el juego de contar mentiras mientras voy encontrando cómo resolverlo mejor.

No pensar el proceso creativo no significa que no pueda decir cosas de lo que hago, por ejemplo de la producción de Haga como que. Y reflexionando la pregunta no quisiera evadir lo que quizá encierra ella, y es saber algunas de estas cosas. Estas son algunas: sé que tuve la intención en esta oportunidad de referirme a las imagenes con que la prensa trata lo que llaman los propios periódicos, La violencia contra las mujeres, La violencia doméstica o La violencia intrafamiliar. Si estas palabras ya son raras, las imágenes me sorprenden por su banalidad: ¿de verdad crees que un ojo morado, impreso en mala calidad, tiene que ver con los embarazos de mujeres sordas o con síndromes mentales que son embarazadas por sus campesinos- padres- biológicos, que dicen que las quieren, y que ellas sienten que las quieren, en distintas provincias del país? Si Hanna Arendth nos hablaba de la banalidad del mal, hay una banalidad de la imagen periodística sobre la que intento llamar la atención. Me importa especular o explorar las consecuencias de esa banalidad.

Los diez pliegos sueltos, que van numerados y no están grapados, surgieron de imaginarme que este impreso se usaría en grupo. Me imaginaba 6, 7 o hasta 30 personas en un recinto comunitario, una casa de la mujer, un salón de clase, interesadas en estudiarlo. Quizá proyección mía, me gusta dedicarle tiempo a las películas que me regalan, a los fanzines que me pasan, a los CDs que me graban. Me gusta estudiar mucho, largo y duro, por eso el texto de Louise Bourgeois con el que finalizo. Imaginé que si se disponía de una mañana de trabajo, cada grupo podía tener un pliego, mirarlo, leerlo, pensarlo y luego reunirse y tener una visión completa de los pliegos.

Sobre imprimir en papel mantequilla pensé desde el comienzo en todo lo que significa la mantequilla- comida untuosa, frágil. Me interesaba imprimir imágenes de un dolor delicado, transparente y traslúcido, que aparecen en el anverso y el reverso del papel. Ahí quería poner los gritos, las bocas abiertas, las manos tapándose el rostro de las mujeres que he recortado en gestos de dolor de periódicos de todo el mundo. Y ver los brazos de esas otras mujeres que las sostienen, las agarran cuando se desvanecen. Probé esas caras de papel mantequilla cayendo sobre las otras caras de mujeres con labios pintados, bocas abiertas, lenguas lubricadas, recortadas de volantes callejeros y de impresiones en policromía de las revistas publicitarias de los duty free. Un papel cae sobre otro, una boca sobre otra. Son las mismas bocas, son distintos gestos. Visualmente se confunden como los dolores. Es una experiencia táctil y visual que desaparece al ponerla en palabras.

Los textos sueltos y numerados son distintos: creo que son, al menos para mi, una lectura silenciosa, introspectiva. Aunque las experiencias que se tornan dolorosas se producen en espacios compartidos como salas de reuniones sociales, bibliotecas, oficinas, buses y otros lugares públicos, no creo que sean esos los espacios para contactar con esas palabras o esas imágenes. Una imagen de un pollo decorado con papel metálico en forma de flor en los muslos, ¿qué significa? ¿qué implica esa imagen del pollo preparada para libros destinados a mujeres?

El formato grande estaría dirigido a provocar un espacio- tiempo de lectura a solas: una cama, el piso, un sofá, una mesa de comedor vacía. Es un formato encartador para leer en las sillas de una sala de espera, de un colectivo o de una cafetería pública en general. Autoagredirse, agredir a otras, vomitar, doblar bolsas de basura de esas que regalan en los supermercados, o doblar simplemente ropa, es algo que con frecuencia se hace en los baños domésticos, sobre la cama de la propia casa, bajo el chorro de agua con el que se lavan los platos o el cuerpo. En estos espacios- tiempos en los que podemos o tenemos que estar a solas me gustaría leer los 26 textos numerados de Haga como que. A solas como cuando llegan esas sensaciones, esas consideraciones racionales o esos momentos de lucidez que no somos capaces de enfrentar, en los que sabemos que no estamos haciendo las cosas con la propia manera de vivir la vida, a cambio de muy poquito. Creo que la relación que tenemos con el amor, y hablo de la relación en singular, el amor de parejas o sentimental, como sea que se llame es grave. Es uno de esos poquitos a los que me refiero.

C.L.B. ¿Haga como que es el resultado editorial de un proceso colectivo, puedes hablarnos de las personas o grupos que lo hicieron posible?
Z.O. Creo en la autofinanciación y en producir materiales gratis. Haga como que es un impreso autofinanciado por mi y de distribución gratuita. Considero que lo gratis es una estrategia personal que no está limitada al ámbito de las personas conocidas o cercanas. Es un modo de establecer relaciones con otras personas cuyo quehacer nos interesa. Me importa el uso personal que hacemos del dinero cuando podemos tenerlo, quienes tenemos acceso a un trabajo pago. Además, la Facultad de Artes y la Divsión de Correspondencia de la Universidad Nacional me dieron el apoyo que solicité para hacer los envíos de 700 libros al exterior y 300 en Colombia.

La búsqueda de papeles, las pruebas de tinta en ellos, la impresión y el empaque, lo hice en Industrias Gráficas Darbel, en donde un equipo grande de hombres y mujeres probó alternativas de papel, revisó archivos, imprimió, refiló, armó, encoló, encuadernó, empacó y etiquetó cada libro. Hubo actos de infinita delicadeza como, por ejemplo, intercalar cada hoja de papel mantequilla con una de papel bond
para imprimirlas adecuadamente y luego retirar el bond. O pegar a mano dos hojas con pegante, antes de cortar, para que casaran, y hacerlo con las mil hojas, una vez cada vez. Allí conté con el apoyo de un diseñador gráfico que de principio a fin, entendió y acompañó todas mis búsquedas de impresión, Daniel González. Por él conocí a otro diseñador que corrigió archivos con los que nos equivocamos inicialmente en el manejo de colores, y arregló otros asuntos; él logró que las imágenes finales fueran lo más aproximadas a las imágenes iniciales de las revistas que miré, y ese parecido me importaba; Mauricio Moreno puso todo el saber que tiene en la preproducción y la producción de impresos al servicio de este material. Los impresos implican esta producción en serie. Todas ellas y todos ellos compartieron en distintas jornadas el valor que para mi tenía cada detalle. El papel impreso de Haga como que es la suma de todos esos saberes.

C.L.B. ¿Cómo ha recibido la comunidad académica y la comunidad en general este trabajo?
Z.O. Iremos sabiendo. Y la mayor parte de las veces no sabré nada directamente, pero algo pasará. Siempre pasan cosas con lo que hacemos.

C.L.B. ¿Qué sigue en tu trabajo?
Z.O. La Universidad Nacional me concedió tiempo para dedicarme a hacer mi trabajo doctoral
dedicado a revisar 100 años de fotografía en los periódicos colombianos, desde 1830 a 1930. Nombro la institución porque aunque aparentemente soy yo quien adelanta la investigación, lo hago con el respaldo de una institución pública que da un dinero, un tiempo. Condiciones materiales que facilitan especular, escoger qué hacer y pensar. Es un dinero tiempo compartido. Me importa el uso del dinero, de dónde viene y en qué se invierte. Cuándo lo recibo y cuándo no. Investigar significa estas cosas también y en este momento solicité y recibí de la institución este respaldo para centrarme en las imágenes de los cien años de periódicos que quiero ver.

(C.L.B.Todas las fotos que apoyan este texto se detienen en detalles de la publicación que llamaron mi ojo).

"el sol se pone para todos"

2010-09-11T00:05:00.004-05:00

Medialab- Prado de Madrid se une al Festival Internacional de Media Facades Europa 2010, participando en La Noche en Blanco. Con la noticia me pongo a imaginar en mi ciudad una noche de fin de semana sin dormir pero asistiendo en compañía de tantos otros al espacio público para ser testigos de la visible conexión con otras ciudades que deciden unirse al insomnio de pantallas urbanas en sus calles, en sus casas y en sus plazas. Pasan derecho este septiembre 11 en Madrid, Liverpool, Bruselas, Linz, Budapest, Berlín y Helsinki y sobre la noche en vela consigo hablar con Nerea García de Medialab en Madrid:

C.L.B. ¿Por qué La Noche en Blanco?
N.G. La denominación de La Noche en Blanco tiene su origen en la traducción al español de La Nuit Blanche, es decir la noche en la que no se duerme o que se pasa en vela, y la iniciativa que nació en París en 2002 "como un proyecto para acercar la ciudad y la creación contemporánea a sus habitantes", según explican en su página. A partir de ahí se fueron sumando otras ciudades como Bruselas, Bucarest, La Valetta, Riga, Roma y Madrid. Amsterdam es la que se une este año. En Madrid la primera edición se celebró en 2006 como parte del programa Noches Blancas Europa.

C.L.B. ¿Cuál es el objetivo de la interconexión de estas ciudades europeas a través de pantallas dispuestas en el espacio público?
N.G. Como se explica en el planteamiento del festival, se trata de un proyecto para artistas y diseñadores de los nuevos medios, que emplea infraestructuras urbanas en red para la circulación artística y el intercambio cultural transnacional. Pero no sólo se queda en un espacio compartido de experimentación, sino que al utilizar pantallas urbanas o fachadas digitales se establecen nuevos diálogos con el espacio público y sus habitantes. Se trata de pensar en los lenguajes y las peculiaridades de estos soportes como espacios de producción artística, de crítica y de reapropiación urbana, se trata de ensayar otras formas de relación con el espacio urbano a través de sus elementos arquitectónicos. Si a esto se le suma la interacción, no sólo con el espacio circundante, sino con los espacios de otras ciudades gracias a las nuevas tecnologías, el resultado es sin duda una experiencia colectiva y artística, como pocas se han dado en este ámbito.

C.L.B. ¿Cuáles son los participantes con los que se une Medialab- Prado en esta interconexión?
N.G. Son cuatro propuestas diversas, tanto en planteamiento estético, como en objetivos. Todos ellos se desarrollan en el taller Open up, celebrado el pasado febrero, en el que se propuso la creación de contenidos "site especific" para la fachada del Medialab- Prado, que en aquel momento estaba recién instalada. Las propuestas son:

Lummo Blocks from lummo on Vimeo.

Lummo Blocks de Carles Gutierrez, Javier Lloret, Mar Canet, Jordi Puig y colaboradores. Se trata de una readaptación muy particular del popular juego Tetris, en el que la asociación entre jugadores es determinante, pues no se trata de competir entre ellos, sino de aliarse para superar el juego. Lo más interesante es que el espacio de juego es la plaza y los mandos o controles, los propios jugadores.

Color Ocurrence de Ann Oren, Zeva Roser y colaboradores, establece un vínculo entre el espacio físico, la fachada y los contenidos digitales de Twitter, por lo que suma un tercer elemento virtual al binomio arquitectura- espacio público.

MIMODEK test 2 from Liisa Tervinen on Vimeo.

Mimodek de Marie Polakova y colaboradores tiene una puesta en escena más lenta y poética: las personas en la plaza se convierten en elementos orgánicos de un ente que crece y evoluciona como un ser vivo en la fachada.

Por último, Zeroestigma: cuentos que nunca se cuentan de Toxic Lesbian y colaboradores, tiene un objetivo claramente social y revindicativo: ofrecer visiblilidad a personas con problemas de salud mental y abrir el espacio de comunicación a este sector tradicionalmente estigmatizado.

MI CASA NO ES TU CASA

2010-09-02T00:07:00.004-05:00

Escribir en mayúsculas es hablarle duro o gritarle al lector, por eso el título de esta publicación choca con la tradicional, cortés y amable frase que acostumbramos a decir y a oir en tono suave a quien invitamos o de quien nos invita a la casa, a la sala, al lugar en el que se deben hacer las visitas.
Ayer recibí de Santiago Insignares, Simón El Mago la invitación a su Sala Burguesa desde el jueves 9 en La Residencia.

C.L.B. Veo la invitación y en una tipografía que me aturde leo MI CASA NO ES TU CASA, ¿por qué invitas a tu exposición invirtiendo la conocida y cortés frase?

S.I. Hay una situación en la que me he encontrado, tal vez demasiadas veces en mi corta vida: estar sentado en una cómoda sala, comiendo y bebiendo con lujo, mientras en familia y con amigos discutimos apasionadamente sobre la terrible situación, sus motivos e imposibles soluciones. Luego nuestros corazoncitos burgueses se sienten conmovidos y partícipes del sufrimiento de lo que todavía llamamos pueblo. Si uno repite varias veces esta misma experiencia pueden suceder dos cosas: que ames esa sala acogedora y perfumada donde tu necesidad de compadecer sea saciada, o que la repudies y empieces a ver en cada uno de los lujos que de ella te rodean un precio pagado en vidas. Por eso al entrar a una sala bien bonita oigo en mi cabeza MI CASA NO ES TU CASA, porque para que esa casa sea como es, la casa de muchos debe ser de lata y puntilla.

C.L.B. ¿Cómo surgió la sala burguesa y cuál es la necesidad que satisfaces en este ejercicio?

S.I. La colección nace hace más o menos dos años, recién llegué de pasar seis meses en India. En ese país conocí a un tallador de puertas que vivía de manera muy sencilla y que me hizo picar las manos al verlo trabajar en madera. Al llegar a Bogotá lo primero que hice fue buscar maestros carpinteros, y con suerte y buenas recomendaciones, dí con tres personas geniales: Rony, Buma y Alicia. Ellos no sólo me enseñaron cómo trabajar la madera, sino también de la vida; me llenaron de chismes e historias de las vidas de sus clientes: políticos potentados del sistema, millonarios herederos, personajes de la farándula, artistas y por supuesto, de sus casas. Toda esta información fue configurando en mí un imaginario lleno de muebles en maderas extintas, cueros italianos, cuadros invaluables, ceniceros del MOMA de N.Y., lámparas de Murano, Scotch Glenmorangie sin hielo, y no faltaba más, buenas rayas de roca 90%.
Este imaginario junto con el desarrollo de los primeros dos muebles de la colección (silla lord criolla y ay que dolor que pena) le dieron vida a La Sala Burguesa y a todos sus integrantes.

La colección busca ser totalmente funcional y hasta servicial para el usuario, pero al mismo tiempo muy trendy. Con suerte uno de esos objetos terminará en una sala burguesa muy recatada y llevará el mensaje de crítica justo al ambiente criticado, sin que su dueño lo sepa (al fin y al cabo se trata de introducir la crítica a la casa del burgués y ayudar a reiterarlo cada vez que use al objeto- esclavo de la misma manera que usa a su criada).

C.L.B. ¿Qué quieres transmitir a tu visita?
S.I. Goce y shock.

Of fishes and birds

2010-08-28T15:08:00.003-05:00

Me gustan los pájaros y los peces, vuelan o nadan para encontrar el mejor lugar para vivir, saben moverse al lado de otros, son la expresión de la libertad pura, la inspiración para explorar el espacio y el mundo submarino. La mayoría de las veces los vemos solo como peces o pájaros, sin embargo si atendemos al sonido de cada madrugada y en el próximo destino al mar nos sumergimos con la careta, sonreíremos otra vez ante unos seres que no necesariamente expresan su grandeza con el tamaño que tienen, pero que viven en el cielo y en el agua.

Hace algún tiempo presenté el trabajo de Juliana Salcedo, hoy me contó que viaja a Holanda como parte del grupo de artistas de Of fishes and birds y conversamos:

C.L.B. Quiero que nos cuentes de qué se trata el proyecto Of fishes and birds
J.S. Of fishes and birds es una exposición colectiva organizada por tres artistas holandeses: Kitty Kilian, Titi Zaadnoordijk e Inge Koenen. Cada una de las participantes ha sido invitada por una de ellas. El proyecto consiste en un leoporello con serigrafías o grabados sobre el tema de los pájaros y los peces. En un principio nos gustaba la idea de que viajara a los países de todas las artistas (una australiana, una sueca y una estadounidense), pero al evaluar los costos de envío y el riesgo de que la obra se dañara, acordamos que sólo estuviera en Holanda. La exposición se hará en diferentes galerías entre 2010 y 2011.

C.L.B. ¿Cómo llegaste a hacer parte de la lista de las diez participantes?
J.S. Kitty Kilian había visto mi trabajo en Illustration Friday, IF es una página a la que uno envía una ilustración semanal sobre el tema que propongan. Cada semana eligen una ilustración para exponerla, y esa semana habían escogido la mía. Kitty me contactó y empezamos a escribirnos. Me propuso participar y acepté encantada.

C.L.B. ¿Qué reto ha significado para ti hacer parte de esa selección?
J.S. El reto principal fue técnico. El requisito era que la serigrafía tenía que ser de 30 x 30 cms. Yo no tengo espacio para hacer una impresión de ese tamaño, así que les propuse usar mi print Gocco, que es un juguete japonés de los años setenta. Con él se pueden hacer serigrafías caseras pequeñas (10 x 15 cm.) Lo que hace el aparato es la impresión de luz en la emulsión fotosensible que ya viene untada en la malla. Me impuse como reto que la imagen ocupara todo el espacio del papel, aunque para que así fuera, hubiera que fragmentarla.

C.L.B. ¿Cuál es el trabajo con el que participas y qué te propusiste al hacerlo?
J.S. Participo con dos obras: una es la serigrafía resultante. Es un pescado en tres trozos, sobre el que se posan unos pájaros. Me propuse crear una imagen un poco inquietante, quería además usar una especie colombiana, pero no quería ni papagayos, ni colibríes. Había visto en Flickr unos pájaros que se llaman tangará sietecolores (Tangara Chilensis). Se encuentran en la Amazonía; en Perú, Ecuador, Brasil, Venezuela y Colombia. Son negros, con pectoral azul turquesa y tienen una especie de careta verde pistacho.

Uno de los temas que exploré en este trabajo, es el de la paradoja de la primera impresión. Nos han dicho que es la que cuenta. Si uno se abstrae de sus referencias culturales, como cuando viaja, se hace evidente el prejuicio que hay detrás de esa idea. En la obra, uno no sabe muy bien si los pájaros anidan, o buscan algo. Parecen bandidos, el pez está muerto y ya lo han cortado. ¿A qué han ido?, ¿son buenos o malos?, ¿buscan o ya encontraron?
La segunda obra, es un móvil del pez y los tangara. Me gusta el juego de contrapesos y el espacio que crea. Intenté seguir con la fragmentación y aquí es evidente que los pájaros han anidado en el pez.

Manchuria, la piel de Ehrenberg

2010-08-25T20:40:00.010-05:00

En febrero del año pasado les presenté a Felipe Ehrenberg el neólogo y autor de la carta que motivó mi publicación titulada La piel de Sao Paulo. En este momento Manchuria- visión periférica, la exposición retrospectiva que hace honor a su obra o a su vida, curada por Fernando Llanos, terminó su estación en Los Angeles con una excelente crítica y se prepara para recibir al público desde el próximo 14 de septiembre en la Pinacoteca de Sao Paulo. La semana pasada fui destinataria de los balances de prensa y del registro de una breve conversación entre el curador y un no tan deconocido visitante a la exposición en Los Angeles, Bill Viola (un encuentro entre dos videomanes, alrededor de la obra del mismo man, digo yo).

C.L.B. Quiero que cada uno me dé su definición de Manchuria.
Felipe Ehrenberg. Hay dos respuestas. Por un lado, la explicación que ambos damos en los textos que la acompañan, es decir, que al igual que aquel lejano país, latotalidad de mi obra es tan familiar como desconocida. Por el otro, más que una definición podemos darte una significación. En mi caso, en esta Manchuria, la de Llanos (porque hay muchísimas Manchurias) me ha sido posible reconocerme, y en el proceso, reconocer a la gente que me ha acompañado durante la vida, mis interlocutores inmediatos, a quienes he dirigido cada una de mis obras de manera puntual.
Fernando Llanos. Mi definición es breve o larga, la breve es: Manchuria es la expo retrospectiva de Felipe Ehrenberg que curó Fernando Llanos y se ha presentado en los siguientes espacios y países:
Ex- colegio Civil Centro Cultural Universitario de Monterrey de noviembre de 2006 a enero de 2007; Museo de Arte Moderno de Ciudad de México, de febrero a junio de 2008; Galería de Arte Contemporáneo de Xalapa, en abril de 2009; Museo de Arte Latinoamericano de Los Angeles de mayo a agosto de 2010. Le llevó tres años hacerla y otros tres perfeccionarla hasta que llegara a Brasil. Está hecha en estrecha complicidad con el artista.
La hice porque Felipe me la pidió, pero también porque él se la merecía y nadie la estaba haciendo.
Mi definición larga está en el texto http://www.fllanos.com/manchuria/ y por último, esta es la opinión del Cuau: "Manchuria: Visión Periférica es una muestra que resulta imprescindible, en la medida en que Felipe Ehrenberg es imposible de evadir. Más que un artista definido por la trascendencia de un puñado de obras, Ehrenberg es decisivo en encarnar la función del activista verbal- performático- visual que, desde una varidad de reclamos contraculturales se ha dedicado a perturbar la santa pas de un medio artístico provinciano, exclusionario y mustio". Cuauhtemoc Medina, Curador y crítico.

C.L.B. Manchuria es la exposición de la vida y obra de Felipe Ehrenberg ¿Qué ha significado para ti todo el proceso de trabajo como curador?
F.Ll. Un proceso de aprendizaje muy fuerte. Llevo más de una década curando programas de video, pero esto es otra historia, seguros, transportes, contenedores, medidas; entender el contexto y la historia del personaje, conseguir sacar un libro de ese tamaño y con esa difusión; una lección de vida, una aventurotota que pude disfrutar de la mano de mi querido amigo. El proyecto ha sido muy afortunado, pero porque le hemos trabajado mucho y porque la obra de Felipe es genial. Me da gusto saber que puse mi granito en esas lagunas de información que hay en los referentes locales del arte contemporáneo mexicano. Pero como bien he dicho, esta es la primera retrospectiva, la obra de Felipe da pa mucho más.

C.L.B. Felipe, ¿Qué significa para ti como mexicano de origen estar con Manchuria en L.A.?
F.E. Nunca me he considerado, como dices, ser "mexicano de origen"; soy lo que soy de la misma manera que lo es un japonés de origen en Perú o un gallego de origen en Bogotá. De hecho de la misma manera que lo soy en San Pablo. Y el público de California no es ni más ni menos importante que el público de Zacualpan, de Medellín o de Porto Alegre. No obstante, Facebook abrió canales directos para dialogar con californianos, en su gran mayoría un público lego y descendiente de todo tipo de culturas. He podido constatar con un enorme gusto que casi sin excepción, nadie se refirió a mi mexicanidad, más bien, las personas comentaron las sensaciones que tuvieron ante aquellas obras.

C.L.B. Fernando, hasta ahora ¿Cuál ha sido la mayor dificultad de girar con está muestra?
F.Ll. Encontrar espacios que tengan el presupuesto y la voluntad de montarla. No es muy costosa, pero si es grande, son como 233 piezas! Entonces hemos visto que no cualquiera se anima a bote pronto, pero vamos bien, ha paseado y sigue paseando, tons seguiremos tocando puertas.

C.L.B. Felipe, ¿Cuál es tu mayor sueño con Manchuria?
F.E. Como se sabe no soy "artista de mercado". Vendo a precios que cualquiera puede pagar, hasta mis primos o mis vecinos. Es decir, vivo al día como la mayor parte de la clase media. Tengo varios proyectos de mucha envergadura, tanto de obra retinal como de corte concepual... libros de artista, partituras visuales, en fin... y para desarrollarlos dependo de la benevolencia de instituciones y el azar. En la tranquilidad de mi estudio, cuando estoy concibiendo un nuevo proyecto o elaborando alguna nueva pieza, lo que más deseo es que la muestra me abra puertas que me permitan desarrollar esos pendientes.

nuestro lugar favorito

2010-08-23T08:47:00.007-05:00

Biciteuta, mi foto de la semana pasada, hace referencia a la obra de Angélica Teuta, la artista que entrevisto hoy, pero hablando de su muestra individual Nuestro Lugar Favorito, que se presenta en la Alianza Francesa del Centro de Bogotá. Vale la pena tomarse el trabajo de llegar hasta la sala de exposición habiendo experimentado la caótica situación del espacio público y la red vial en interminable reparación, especialmente en el centro, de la hoy rota capital.

C.L.B. ¿Por qué decidiste trabajar sobre el paisaje?
A.T. Creo que desde la obra Decoración para espacios claustrofóbicos decidí trabajar sobre el paisaje basada en la luz para contrarrestar la claustrofobia y tantas otras cosas que produce el agite urbano en los habitantes de la ciudad. En esta ocasión resolví constrir un espacio de paz para relajarse, un lugar favorito. Y qué mejor para lograrlo que a través del agua, un elemento vital. La instalación en este caso, más que un ambiente perceptual, lo encuentro con un tono sarcástico frente al tipo de paisajes a los que nos toca recurrir en las ciudades ficciones de un oasis dconstruído a partir de aparatos y fábulas caseras que nos inventamos para relajarnos, sin embargo, todo de la mano de lo artesanal, lo coqueto y lo tierno. para llevar a la relajación. Definitivamente logra su cometido, pero hay que pensar por qué no es un ambiente natural.

C.L.B. Hay dos referentes o puntos de partida para haber configurado Nuestro Lugar Favorito: Seurat y Viola. Me gustaría que nos contaras por qué.
A.T. Pensando en todo esto del agua, los lugares favoritos, la conformación de la luz, la video instalación, el zen, me remití a estos dos artistas. Rapidamente pensé en Seurat por sus cuadros puntillistas que hacen un estudio de luz, son cuadros fotográficos y hablan de los lugares favoritos de los franceses, los lagos, los lugares de domingos. De igual forma recurrí a Viola por su cercanía con el agua como elemento vital, sus videos místicos, pensé mucho en Swimming pool y el efecto de percepción que realiza en el video, cómo se confunde el reflejo con la realidad. En mi caso cómo se confunden los espacios, arriba, abajo y horizonte.

C.L.B. Logras un universo que recibirá y contendrá a los visitantes a la exposición, partiendo de una pequeña construcción basada en fotografías y juegos de proyección. ¿Qué has encontrado en ese proceso creativo, en el juego de escalas y el uso de la fotografía durante el proceso y su resultado?
A.T. Bueno, la fotografía realmente no está explícita en este tipo de exposiciones en tanto al trabajo como tal, pero si pienso mucho en la percepción que posibilita la fotografía y en esa medida, en las situaciones o elementos que nos remiten a otros. Estoy probando otro tipo de instalaciones, otros juegos, otras sensaciones. La instalación entendida como un todo que engloba, en la que cada elemento es igual de importante, constituyéndose como un conjunto de sentid. Para cualquier obra se debe jugar con todo, atreverse es importante y estar con los ojos bien abiertos a los procesos que se desarrollan.

C.L.B. ¿Qué quieres transmitir a los visitantes de Nuestro Lugar Favorito?
A.T. Relájese y disfrute.

re(cámaras)

2010-08-18T18:21:00.001-05:00

Esta mañana me produjo una sonrisa verle pasar una bicicicleta por encima.

iluminados

2010-08-16T17:27:00.003-05:00

Hace cuatro años un fan de los comics empezó un álbum de ilustradores colombianos desde una publicación impresa que extraño. Desde la revista Pie de página Alejandro Martín abrió un espacio para dar a conocer algunos de los nombres que hoy hacen parte de img 50 formas de ver la ilustración, una iniciativa editorial independiente de Diana Arias, Jorge Restrepo y Jose Rosero, tres ilustradores que con esta publicación dejan muy claro el por qué hacen parte de la lista de los mejores cincuenta hoy en Colombia.
Hoy le pregunté a Rosero qué es para él ilustración, su respuesta coincide con algo de la mía, la razón por la que como en el título de hoy los llamo.
J.R. Cuando hablo de los libros que he ilustrado, tengo mucho cuidado en decir que el ilustrador es el primer lector, la primera persona que repasa concienzudamente un texto ejerciendo a su vez una labor activa. Además de repasar las líneas escritas, los hilos argumentativos, el estilo, la poética, la intención y el mensaje, además de aprehender todo eso, el ilustrador debe hacer una retroalimentación que devenga de una serie de imágenes, iluminaciones clarificadoras, con el reto de conservar la misma potencia y fuerza del texto. El mecanismo se convierte en leer, digerir, interpretar, vomitar, volver a leer y digerir, producir, leer, etc. Este lenguaje toca una gran cantidad de espacios que no se reducen al campo editorial o de las artes visuales, ahora la ilustración se acerca peligrosamente al pensamiento contemporáneo. Si tomamos que "el texto" en sí va más allá de las palabras impresas en un libro y se convierten en el mundo mismo; desde lo cotidiano personal, las noticias del día a día (y la forma de escribirlas y leerlas), la ciudad y lo urbano, el contexto de Bogotá, San Pablo, Buenos Aires..., hasta lo más abstracto como la humanidad, la música, la muerte, etc. Si tomamos que ese "texto" es todo lo que nos rodea, llevando consigo un discurso, una posición, algo que decir, y volvemos a definir al ilustrador como el primer lector e intérprete, es en ese punto donde podemos ubicar la ilustración y su función, y puedo decir que para mi es la interpretación (en el sentido de la transmediación) la traducción de un texto.

son para oírnos mejor

2010-08-09T22:11:00.002-05:00

“Palangawhoya, mientras recorría el mundo, emitía sonidos para hacerse oír. Todos los centros vibratorios situados a lo largo del eje de la tierra del polo norte al polo sur escucharon su llamada: toda la tierra tembló: el universo se tambaleó también. Así fue como convirtió a la tierra en un instrumento de sonido, y el sonido en un instrumento para transmitir mensajes, en una oración que resonó llegando al creador de todo”.

El mito indio hopi de la creación del Primer Mundo.

El próximo fin de semana es un puente para el cual el proyecto Residencia en la tierra programa un taller para músicos y no músicos en Montenegro Quindío, bajo la dirección de Nobara Hayakawa y Adriana García Galán. A propósito de esta invitación que extiendo a todos los interesados desde aquí, en un silencio con fondo urbano, más cerca fondo nevera y más cerca fondo teclear, con Nobara converso:

C.L.B. ¿Desde tu trabajo creativo cómo propones oir entre el ruido?
N.H. Cuando se trabaja con sonido, necesariamente se abordan nociones de silencio y ruido. El ruido se ha definido como un sonido que interfiere con lo que queremos escuchar. Desde mi trabajo empecé utilizando sonidos que han sido catalogados como ruidosos de una forma controlada, como quien estetiza la basura y la vuelve a presentar para una nueva lectura, en este caso, una nueva audición. Cuando se habla de oir entre el ruido, no se propone hacer una distinción donde se clasifique de manera arbitraria qué es digno de ser oído y qué no. Se trata más bien de lograr una disposición mental, una especie de consciencia sonora, donde la experiencia esté atravesada por un rango más amplio de sonoridades.

C.L.B. Has ejecutado piezas musicales que se reafirman en la propuesta de oir entre el ruido, ¿qué ha significado llegar a ellas y cuál es la invitación que haces a quienes las oyen?
N.H. Estuve trabajando con el ruido que hacen los electrodomésticos, que tienen una textura muy particular y una tonalidad aprovechable. El ruido es tan subjetivo como el sonido mismo, así una ópera puede ser ruidosa para alguien acostumbrado a la música industrial. El ruido entendido como cierta suciedad en el sonido siempre me ha gustado, así que se trata más de sugerir una escucha más abierta a éstas texturas inesperadas, a las sorpresas sonoras dentro de una estructura convencional, como es el formato de la canción.

C.L.B. ¿Cómo puedes trabajar en música con quienes no tienen formación de son músicos?
N.H. Es importante precisar que el trabajo de los talleres se hace en torno al sonido, no a la música (entendida como el arte de organizar el sonido). Se aborda el material sonoro como quien trabaja con barro y busca la forma, el significado y la experiencia sensual de la materia. El resultado no siempre es musical, así como con el barro el resultado no siempre es un jarrón. Es un trabajo intuitivo, con un nivel de goce mucho más primario, utilizando el conocimiento académico como guía de la intuición.

C.L.B. ¿Qué trabajos estás desarrollando paralelamente a la preparación de Residencia en la Tierra?
N.H. Acabamos de terminar una pieza radiofónica con Heidi Abderhalden (Mapa Teatro), que enviamos a la Bienal de Radio de México, basada en el texto "Diario de Adán y Eva" de Mark Twain, y para la cual hice el diseño sonoro y musicalización, y tengo dos proyectos en curso: una banda con los artistas Adriana García Galán y Elkin Calderón, llamada "Pesadillas con Gorila", donde jugamos con el formato de canción popular, y mi proyecto personal musical. En septiembre dictaré un seminario taller en la Universidad Javeriana llamado "El sonido como materia" con Alejandro Tamayo, así como un taller de sonido y cuerpo en el marco de la exposición de arte sonoro "Sonare", curada por Mauricio Bejarano para el MAMBO.

la imagen inesperada

2010-08-06T11:02:00.000-05:00

El miércoles pasado ya tenía escrito de Juanita a Manuelita, sólo me faltaba la imagen para apoyar el texto. Navegué y navegué buscando una versión de Manuelita que me gustara y llegué a un aviso publicitario de periódico argentino de principio de siglo pasado, que ofrece un cutis de triunfadora. Un día después paseando por Flickr encontré la que hubiera querido ayer. Fuera de tiempo, como todas las sorpresas, la recibo de regalo de su autora. Hoy comparto con ustedes Manuelitas, imagen que como todas las de Susana Carrié habla por sí solita.

de Juanita a Manuelita

2010-08-04T18:42:00.002-05:00

Omar Porras trabaja con su Teatro Malandro en Suiza, por eso que parara en Colombia una temporada larga, para poner en escena un Bolívar, me tenía intrigada hace meses. Este fin de semana, el último de la obra en Bogotá antes de girar por otras ciudades de Colombia y el mundo, pude verla por fin y ser testigo de la transformación de Juanita en Manuelita.
Les presento entonces esta conversación con Juanita Delgado, a quien sólo había oído cantar, pero que en el montaje de Bolívar: fragmentos de un sueño, encarna más que con su voz a todas las mujeres en una.

C.L.B. ¿Qué significa para ti ser Manuelita Sáenz en Bolívar y qué te ha sorprendido del descubrimiento de este personaje?
J.D. La oportunidad de interpretar a Manuelita llegó durante el proceso de creación de Bolívar. Cuando supe que iba a ser parte de Teatro Malandro, no se me pasó por la cabeza semejante honor. Esa fue la primera sorpresa!
Para mi Manuela es la representación de las mujeres de todos los días, las que luchan por sacar sus hijos adelante a pesar de sus fracasos amorosos, las que se pelean su lugar en la sociedad, las creadoras, dadoras, las que no tienen miedo a ser juzgadas en una sociedad que sigue siendo machista. Manuela me ha dado el privilegio de expresar todo eso por medio del canto, del baile y de la palabra. Pero lo más sorprendente ha sido la recepción que ha tenido en quienes la ven y la escuchan. Manuela tiene una fuerza atemporal, está desprovista de los atavíos románticos en que la habían encerrado a fuerza de ser la mujer del libertador y se abre a la reflexión, la locura, la memoria, el dolor, la denuncia y al amor con astucia e ironía. Es una mujer real y generosa en cuanto permite al público identificarse y sensibilizarse con ella. He visto muchas mujeres muy conmovidas y a muchos hombres descubriendo a sus mujeres a través de los ojos de Manuela, eso me hace feliz.

C.L.B. Te conocí cantando, quiero saber cómo se dió ese paso al teatro y qué significa para tí esa combinación de expresiones.
J.D. Todo empezó cuando me presenté a una audición de cantantes para un proyecto con el maestro Omar Porras. Hubo un proceso de selección muy riguroso que estuvo liderado por el músico Eric Bongcam y el mismo Omar. Hice parte de sesiones de creación que se basaron en la improvisación de cuadros a partir de los textos de William Ospina y que le fueron dando una forma preliminar a la obra. Al final del año pasado me comunicaron que era parte del Teatro Malandro. Este ha sido un logro muy grande, porque actuar es un arte complejo que respeto mucho y haber ganado el espacio que hoy tengo, me llena de felicidad y orgullo por haber tomado el riesgo, aunque no sea actriz de formación. Siento que los límites se los pone uno mismo y yo quiero seguir trabajando mucho para romper mis propios paradigmas. Finalmente, creo que las manifestaciones del arte se nutren y complementan entre sí. Esto me está sucediendo ahora y veo el arte distinto a como lo veía un año atrás.

C.L.B. Me encantaría que describieras un poco la experiencia de hacer parte de un colectivo tan selecto y que contaras un poco lo que has aprendido de quienes hacen parte de él.
J.D. En el Teatro Malandro todas las personas debemos estar involucradas en el proceso de creación, tanto director como técnicos, especialistas en escenografía, luces, vestuario y actores permanecimos juntos en el teatro de residencia artística para ver cómo iban apareciendo las imágenes, que desde la visión de Porras, se originan exclusivamente en el escenario. Eso nos permitió enterarnos a profundidad de los detalles que hacen de este Bolívar una obra meticulosa en cada una de sus facetas de composición. Las jornadas de trabajo son extensas e intensas... Omar es un trabajador incansable.

El equipo técnico liderado por una mujer, Cecile, es un ejemplo de efectividad y amor por el oficio. Y así, personas de cada disciplina me han dado lecciones de profesionalismo y rigor. He aprendido también a encontrar joyas entre las piedras, he corroborado que arriesgarme a encontrar la felicidad urgando entre mis dolores sirve. He aprendido mucho más de la música de los Llanos Orientales de mi país, de sus aires y sus cantantes, de la riqueza de la música que se gesta en los ríos cuando las arpas viajan en su cauce, del acordeón de los viejos sabios, de los sueños encerrados en las voces. Tengo una nueva amiga, Zorayda, su voz y experiencia es invaluable. Y así, todos los días descubro nuevas cosas, unas más bonitas que otras, algunas difíciles de sobrellevar, otras que me confrontan y siempre alguna que me conduzcan a una nueva creación que sonará.

the last newspaper?

2010-07-26T11:56:00.004-05:00

Este fin de semana uno de los amigos contaba que de leer el periódico impreso le gustaba que se podía hacer entre dos, pero que ese placer se le acabó con el tamaño tabloide que no se divide en secciones para que él y ella lean al tiempo temas diferentes. Ahora prefiere leer en línea y no los contenidos de las direcciones oficiales de los diarios, sino las opiniones e interpretaciones de máximo ciento cuarenta caractéres. Cada soporte tiene su lógica y conociendo a mi amigo Andrés Felipe, si prefiere empezar a enterarse de lo que pasa a través de twitter es porque la lógica del periódico impreso está en crisis y no sólo en Colombia. La semana pasada la oficina curatorial Latitudes de Barcelona, anunció su participación en The Last Newspaper, que tendrá lugar desde octubre 3 hasta enero 9 del próximo año, su sede de trabajo será esa temporada el New Museum de Nueva York con un proyecto del que nos habla una de sus integrantes Mariana Cánepa Luna y que fomenta la participación activa de la comunidad editorial, artística y comunitaria en general para alimentar el debate por la desaparición de los medios impresos:

M.C.L. El momento en el que se encuentra este medio (el debate de si los periódicos desapareceran o no, y la transición total o parcial al soporte digital) da pie a una serie de reflexiones importantes: ¿cómo la recesión económica ha forzado a esta situación de declive y sobretodo qué papel tienen los periódicos en la creación y difusión de noticias?, ¿cuál es hoy la misión del periódico?, ¿pueden los periódicos analizar situaciones o verdades complejas?, ¿sigue siendo el medio más adecuado para la difusión de noticias?, ¿qué tipo de realidad refleja y qué queda fuera?, ¿el contenido on- line es el verdadero enemigo del periódico impreso?.

Los vehículos por los que viajan las noticias o las opiniones han cambiado dramaticamente en los últimos años: las generaciones mas jóvenes, generalmente no recurren al periódico para informarse, no leen artículos de opinión y análisis, ya que sus canales son en su mayoría la televisión, e- mail, blogs, SMS, Facebook, o como mucho, las páginas on -line de los periódicos. Prevalece la absorción rápida por encima del análisis crítico del enviado especial o experto en "x" cuestión. Internet hace que el periódico impreso parezca lento o insensible. El lector de hoy busca opiniones diversas, contrastadas e inmediatas y eso está lejos de la opinión objetiva que tradicionalmente tiene y que debería ofrecer el periodismo de prensa.

Las formas de organización de la redacción de un periódico han cambiado, como también la educación y el perfil del periodista y del lector. Nuestra participación en The Last Newspaper es para reflexionar sobre las complejidades que se presentan hoy en torno a esa situación, sobre cómo los individuos obtienen su información, qué canales prefieren y cuál es su opinión sobre el futuro de la producción de información, ya sean profesionales del sector o artistas. En este proyecto cada uno de los 10 periódicos semanales compilados (cada número con un nombre diferente) reunirá colaboraciones de artistas y participantes de la exposición y ese espacio se activará con proyectos y charlas in- situ. Intentaremos que todo se refleje en los periódicos impresos, que serán a la vez el catálogo de la exposición. Además invitaremos artistas, comisarios, periodistas, entre otros, a reflexionar sobre el estado del periódico como medio de reproducción y distribución de noticias. Habrá encargos especiales para que algunos artistas contribuyan con las páginas semanales. Seremos los editores jefes del periódico replicando una sala de redacción en el museo, y en vivo, junto con un equipo de becarios y diseñadores, trabajaremos con las mismas fechas de entrega que tiene un periódico semanal.

La otra reflexión que queremos hacer como comisarios es acerca de los varios paralelismos que existen entre la labor curatorial y la editorial: la de crear una comunidad de colaboradores que contribuyan con el material y posteriormente definir contenidos, filtrar, editar, corregir, verificar, distribuir, narrar, etc, y experimentar hasta qué punto convergen los dos roles.

pensando en independencia

2010-07-23T16:11:00.004-05:00

La semana pasada encontré un texto titulado El arte de la simulación, escrito por Olga Lucía Lozano para La Silla Vacía. Su lectura me condujo a diasfrios.org y al reencuentro con Zenaida Osorio, su autora, una mujer extraordinaria que conocí en Barcelona en mis días de posgrado. Bajé siguiendo las instrucciones, (de tomarse un café mientras tanto) Haga como si la violan o le pegan. Leí con calma hoja por hoja, vi las imágenes: radiografías de unas, de todas.

Con su último capítulo, citando a Louise Bourgeoise, termina: "Aprendo, aprendí, aprendí, aprendí, aprendí, aprendí, tu fallaste. Aprendí mucho. Aprendí algo, aprendí. ¿y tu? Aprendí hoy, y ello me cambió el día. Aprendí una lección. Me siento mejor; verbo aprender: yo aprendo, tu aprendes, él aprende, vosotros aprendéis, nosotros aprendemos, ellos aprenden, aprendemos todos juntos y empezamos a comprendernos los unos a los otros. No me exijas nada y yo nada te exigiré. Tratemos de aprender un poco cada día, intentémoslo. Resulta difícil aprender. ¿Qué es lo que nos impide aprender? Tener un espíritu de aprendizaje, no tener miedo en emplear el tiempo en aprender, nada malo podrá ocurrir. Tan sólo hemos de ser receptivos, disponernos a aceptar, a ser tolerantes, a querernos sin llegar a ser auto- indulgentes, a no ser egoístas, a respetar cómo somos, a saber perdonarnos, a no ser demasiado exigentes ni repetirnos, a no tener miedo de quiénes somos y a creer en nosotros; así aprender nos resultará más sencillo. No anticipes el juicio; espera y verás. Inténtalo de nuevo, date una oportunidad así como le das a los demás una o infinitas oportunidades. Cada día es una nueva ocasión para intentarlo, mañana también, toda una vida de oportunidades encadenadas. No hay razón para que te entregues a la desesperanza, ni tampoco para quejarte, o forzar la situación, o ansiar algo, o exprimir a los otros o a ti mismo. Los demás no te juzgan, ni siquiera saben que estás ahí. Nadie está en tu contra, no te preocupes, no eres tan irresistible. Además, ¿quiénes son ellos para juzgarte? No saben demasiado, van a aprender quién eres y así es como empezarán a comprenderte. Comprender es perdonar sin problemas, pero la verdad es que tienes que aprender y comprender, y eso es realmente difícil: algo misterioso, complicado, una tarea muy ardua, algo extraño. Aprender es difícil, pero recompensa, inténtalo otra vez, empieza de nuevo mañana, llora si tienes que hacerlo. Aprende a aprender ¿Te gusta aprender? ¿Eres buena aprendiendo? ¿Llegas a algún sitio? Aprende por el mero hecho de aprender, de ser mañoso y capaz de hacerlo con facilidad. ¿Tienes facilidad para aprender cómo descubrir, cómo revelar, cómo volver algo del revés y después volverlo a poner en su sitio? De construir, y reconstruir, darle sentido a lo improbable, aprender a preguntar, a cuestionarlo todo, por el gusto de conocer su interior, por el mero gusto de descubrir sin contar a nadie que has progresado poco a poco, paso a paso, desde un supuesto hasta el siguiente, juntando las piezas del puzle. Así es como aprendes sin la ayuda de otros, no para jactarse de ello, ni poner en evidencia. Aprender es tu secreto, es todo lo que tienes, la única cosa que puedes decir que te pertenece, que nadie puede arrebatarte. Recuerda que la ignorancia no es una excusa, aprende o atente a las consecuencias".

disparando a la costumbre

2010-07-14T22:16:00.002-05:00

Hace tiempo recibo noticias de Helkin René Díaz, las de esta mañana fueron desde Nueva York contando que casi encabeza la lista de un proceso de selección que comenzó con cuatrocientos siete participantes y que va en veintiún seleccionados (un argumento para sentirse ya ganador) a propósito conversamos:

C.L.B. Años atrás las noticias eran otras, en ellas contabas desde Buenos Aires sobre un reportaje fotográfico en los hipódromos, hoy la serie bajo el título Los últimos jugadores, candidata al premio de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoaméricano, ¿qué inspiró ese trabajo fotográfico?

H.R. Este trabajo empezó con un encuentro, voy caminando por la calle haciendo fotos una tarde de otoño en Buenos Aires, veo unas banderas de colores a lo lejos, me acerco y es un hipódromo. El hipódromo de Palermo. Nunca había estado en un hipódromo. Entro, la luz del atardecer mezclada con la iluminación fuerte del lugar me atrapa. Veo los caballos a lo lejos correr y la gente explotándose a gritos por uno de ellos. Sus gritos, la emoción desaforada y la soledad de cada persona me trajo a la mente uno de los cuadros de Doré en la divina comedia. Eso me capturó y me hizo sentir que tenía que volver.

C.L.B. ¿Qué significó para ti y para tu vida introducirte en el universo de las carreras de caballos durante tu residencia en Buenos Aires?
H.R. Estuve durante casi cinco meses trabajando en este proyecto, visite los hipódromos de Palermo y San Isidro. En San Isidro hice la mayoría del trabajo. Fue un descubrimiento saber que en realidad hacer este tipo de proyectos es lo que más me gusta, compartir con las personas, ver aquello que los mueve a estar en una u otra situación, y sobre todo, a observarme reflejado en sus propias vidas.

Buenos Aires no fue una experiencia del todo dulce, es un lugar que empuja a la soledad. En las personas que visitan los hipódromos sentía eso, se encontraban allí con amigos apostadores y pasaban la tarde. Para mi, de una u otra manera, se convirtió en algo parecido.

Hice un gran amigo. "Palelo", con él me pasaba las tardes conversando sobre las apuestas, las personas, las constumbres y la vida misma. Nunca aposté, le aposté a los apostadores, en todo el fotodocumental no salen los caballos.
Algo que me quedó grabado durante estos meses, es que las costumbres son las que están destruyendo a la humanidad. Haces algo porque tus padres, tu país, tu raza lo hacen por costumbre, y lo haces a veces sin consciencia de lo que estás haciendo, aunque eso te perjudique o afecte a los demás. Es un ciclo que a veces es difícil parar, pero que es de suma importancia detener.

C.L.B. ¿Qué viene ahora en tu carrera como fotógrafo?
H.R. Acabo de regresar de la India de trabajar en un documental sobre el río Ganges. Después de este viaje y con esta nominación tengo la certeza que debo enfocar mi trabajo en el fotoperiodismo.

Estoy en N.Y. ahora tocando puertas, buscando contactos y ofreciendo mis reportajes a varias revistas y agencias. El paso a seguir es trabajar en Colombia, un país sin historia de fotoperiodismo. Ya muchos sabemos porqué circunstancias, miedo, falta de oportunidades y sobre todo falta de memoria.